Dante et Virgile en enfer de Delacroix

Dante et Virgile en enfer de Delacroix


Virgile indique le chemin du salut et devient son guide à travers les méandres de l'enfer. Cette rencontre a lieu dans le premier Chant de l'Enfer de la "Divine Comédie" de Dante. L'horrible combat dans ce tableau puissant du peintre réaliste français William-Adolph Bouguereau (1825-1905) est une scène du Canto XXX.

Dante Alighieri nous a donné les images terrifiantes de l'enfer qui ont façonné et perturbé la conscience chrétienne depuis le moyen âge. Avant Dante, la punition divine pour les péchés était un concept vague et nébuleux Dante lui a donné une substance, une substance terrible. La "Divine Comédie" de Dante, en particulier la partie consacrée à l'enfer, regorge de descriptions solides et détaillées de ce qui se passe dans l'au-delà, et a grandement influencé la conception populaire du purgatoire et de l'enfer, inspirant à la fois la crainte et la peur.

Heureusement, il a également inspiré de nombreux grands artistes qui ont appliqué de la peinture sur des toiles et donné vie aux descriptions terrifiantes de Dante, nous laissant réellement voir le sort terrible qui attend les pécheurs impénitents. Bosch a créé sa propre représentation de l'Enfer tandis que Pieter Bruegel l'Ancien nous a donné Dull Gret et Triumph of Death.

Le poète romain Virgile fut une puissante inspiration pour Dante. Sa présence dans la "Divine Comédie" était un hommage au poète - quel meilleur compagnon pour errer sur les chemins terrifiants des enfers qu'un autre poète ?

Le choix de Virgile comme guide à travers l'enfer a sans aucun doute été influencé par le fait que dans l'Énéide de Virgile, il y avait des descriptions d'Énée traversant le monde souterrain, et par l'admiration de longue date de Dante pour le poète latin.

En effet, les vers de Dante sont un hymne à Virgile : « Tu se' lo mio maestro e 'l mio autore » (Tu es mon mentor et mon auteur), « Tu es celui qui m'a appris le style noble qui m'a valu la renommée et honneur parmi mes contemporains". Dans le tableau, nous voyons Virgile, une présence rassurante et solidaire, debout avec Dante derrière les personnages combattants, entouré d'autres spectateurs démoniaques.

Dante et Virgile en enfer est une huile sur toile actuellement exposée au musée d'Orsay, à Paris. Il a été peint en 1850 par William-Adolph Bouguereau. C'est une pièce unique, l'artiste n'est jamais revenu sur ce thème peut-être que l'intensité de la scène a rapproché l'enfer de trop près pour le confort ! La photo nous montre Dante, accompagné de Virgile, errant dans le huitième cercle de l'enfer, le secteur réservé aux faussaires et falsificateurs.

Ils s'arrêtent pour assister à un combat infernal, un combat sans fin à mort. L'horreur de l'action est forte : on voit un combattant mordre sauvagement la nuque de l'autre en lui agenouillé brutalement le dos.

Le désespoir et l'agonie sont fortement évidents dans les muscles tendus et tendus et les visages déterminés et combatifs. Pourtant, il y a de la beauté ici : les corps parfaits et musclés sont représentés dans des lignes harmonieuses qui suggèrent une force audacieuse et souple. Il n'y a rien de statique dans les positions des corps, la scène est un instant fugace du combat - on perçoit pleinement le mouvement et la fureur du combat.

Cet horrible combat se déroule entre deux âmes damnées, toutes deux condamnées à un combat éternel. Le cercle infernal qu'ils habitent est le huitième cercle, réservé à ceux qui trichent, falsifient et contrefaçons afin d'améliorer immoralement ou illégalement leur sort au détriment des autres. Le combattant mordant, Gianni Schicchi, est un usurpateur qui a frauduleusement adopté l'identité d'un mort afin d'obtenir un héritage. Il a été dûment envoyé en enfer. L'autre combattant est un alchimiste et hérétique appelé Cappocchio. À une époque où l'hérésie et l'alchimie étaient des péchés capitaux, l'enfer était la destination finale inévitable.


La Barque de Dante (Dante et Virgile aux Enfers)

Delacroix, dans sa première tentative pour entrer au Salon de Paris de 1922, a travaillé sans arrêt pendant deux mois et demi sur cette, La Barque de Dante, sa première entrée dans l'établissement d'art. Après son achèvement, Delacroix était épuisé et faible, et avait besoin de récupération. La réception critique a été variée, des rapports qu'il était terne, au sentiment que l'artiste avait de l'espoir, à qu'il était déjà un coloriste distingué. Le même été, l'État français achète le tableau pour 2 000 francs et il est transféré au Musée du Luxembourg. Sept ans après la mort de l'artiste, il a été transféré au Louvre, où il réside aujourd'hui.

La Barque de Dante (français : La Barque de Dante), parfois connue sous le nom de Dante et Virgile en enfer (Dante et Virgile aux enfers), est la première grande peinture de l'artiste français Eugène Delacroix, et l'une des œuvres signalant un changement dans le caractère de la peinture narrative du néo-classicisme vers le mouvement romantique. Il a été achevé pour l'ouverture du Salon de 1822 et se trouve actuellement au Musée du Louvre, Paris.

La peinture est vaguement basée sur des événements fictifs tirés du chant huit de l'Enfer de Dante. Une brume de plomb et de fumée et la flamboyante Cité des Morts forment la toile de fond sur laquelle le poète Dante endure une traversée effrayante du Styx. Il est affermi par le savant poète de l'antiquité Virgile alors qu'ils labourent les eaux chargées d'âmes tourmentées.

L'agencement des personnages est pour la plupart conforme aux principes du néo-classicisme froid et réfléchi qui a dominé la peinture française pendant près de quatre décennies. Il y a un groupe de figures centrales verticales et un arrangement rationnel de figures subsidiaires, toutes dans des plans horizontaux, et observant des poses étudiées.

La Barque de Dante était une œuvre artistiquement ambitieuse, et bien que la composition soit conventionnelle, la peinture à certains égards importants s'est indubitablement libérée de la tradition néo-classique française.

La fumée à l'arrière et le mouvement féroce du vêtement dans lequel est enveloppé le rameur Phlégyas indiquent un vent fort, et la plupart des individus du tableau lui font face. La rivière est agitée et le bateau est levé vers la droite, un point auquel il est tordu vers le spectateur. Le groupe est conduit vers une destination connue pour être encore plus inhospitalière, par un rameur dont l'équilibre au pied sûr dans la tempête suggère sa familiarité avec ces conditions sauvages. La ville derrière est une gigantesque fournaise. Il n'y a ni confort ni refuge dans le monde de rage, de folie et de désespoir de la peinture.

La peinture explore les états psychologiques des individus qu'elle représente et utilise des contrastes compacts et dramatiques pour mettre en évidence leurs différentes réponses à leurs difficultés respectives. Le détachement de Virgile du tumulte qui l'entoure, et son souci du bien-être de Dante, est un contrepoint évident à la peur, à l'anxiété et à l'état de déséquilibre physique de ce dernier. Les damnés sont soit absorbés dans une concentration perçante sur une tâche folle et inutile, soit sont apparemment dans un état d'impuissance et de perte totale. Leur revêtement de bateau prend une forme ondulante de haut en bas, faisant écho à l'eau agitée et faisant du pied du tableau une région d'instabilité périlleuse. Les âmes à l'extrême gauche et à droite sont comme des serre-livres grotesques, enfermant l'action et ajoutant une touche claustrophobe à l'ensemble.

Delacroix a écrit que sa meilleure peinture d'une tête dans cette image est celle de l'âme atteignant avec son avant-bras de l'autre côté dans le bateau. Les deux gravures de Charles Le Brun, La Colère de 1668, et de John Flaxman, The Fiery Sepulchres, apparaissant comme plaque&# 16011 dans The Divine Poem of Dante Alighieri, 1807, sont des sources probables pour cette tête.

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Dante et Virgile en enfer par Delacroix - Histoire

1822
Huile sur toile, 189 x 246 cm
Musée du Louvre, Paris

Le premier tableau de Delacroix à atteindre une véritable notoriété, Dante et Virgile en enfer ou La Barque de Dante, illustre une dualité qui a marqué toute sa carrière. L'influence partagée de Michel-Ange et Rubens est ici manifeste, mais il y a aussi une saveur de la révolution si tonitruante proclamée par son ami et aîné, Théodore Géricault, dans son tableau immortel, Le Radeau de la Méduse (1819).

La Barque de Dante est présentée au Salon de 1822 et reconnaît clairement sa dette envers Le Radeau de la Méduse de Géricault. En effet, l'influence de cette peinture peut être retracée pendant de nombreuses années dans l'œuvre de Delacroix, par exemple, dans son Christ sur le lac de Génésareth (1854) ou Le Naufrage de Don Juan (1840). La « mise en scène » de La Barque de Dante attend avec impatience la déclaration de Baudelaire selon laquelle Delacroix est un peintre « essentiellement littéraire ». Mais Delacroix avait quelque chose de bien plus important à apprendre du Radeau. En exprimant la situation des naufragés partout dans le monde, Gériault avait posé les bases d'une révolution esthétique. Le Radeau de la Méduse marque la première apparition en peinture du « laid » et proclame ainsi son respect scrupuleux pour la vérité, aussi répugnante que soit la vérité. Ce souci de vérité fait partie intégrante du tempérament romantique.


The Divine Comedy: Inferno 2 Traversée avec Charon

Eugène Delacroix (1798-1863), La Barque de Dante (Dante et Virgile en enfer) (1822), huile sur toile, 189 x 241 cm, musée du Louvre, Paris. Wikimedia Commons.

Dante a été sauvé de trois bêtes sauvages par le fantôme de Virgile, qui le conduit le long de la seule route qui l'éloigne, emmenant le couple à la porte de l'Enfer.

Au-dessus de la porte s'inscrit une interdisante série de vers qui ne laissent au voyageur aucun doute quant à leur destination : vers la douleur éternelle et les âmes torturées. Cela culmine dans la ligne la plus célèbre de l'ensemble de la Comédie divine:
Lasciate ogne speranza, voi ch’intrate
traditionnellement traduit par Abandonnez tout espoir, vous qui entrez ici, mais peut-être plus fidèlement que Laissez derrière vous tout espoir, vous qui entrez.

William Blake (1757-1827), L'inscription sur Hell-Gate (Dante’s Inferno) (1824-27), plume et encre et aquarelle sur crayon, dimensions et emplacement inconnus. Wikimedia Commons.

Virgile explique sa signification à Dante avant que les deux n'entrent. Dante est alors frappé par les sons terribles qu'il entend, des pécheurs tourmentés de l'Enfer mêlés au son du premier groupe de morts : ceux à qui l'on a refusé l'entrée en Enfer ou au Ciel, à cause de leur lâcheté à ne pas choisir entre Dieu et le diable. Ils forment une rivière de corps nus tirés par une bannière, leurs visages constamment piqués par des guêpes et des frelons, de sorte qu'ils sont striés de sang et de larmes.

Parmi eux, celui qui a été identifié comme le pape Célestin V, qui a refusé de prendre ses fonctions en juillet 1294, une autre possibilité est Ponce Pilate, qui a refusé de porter un jugement sur le Christ.

Gustave Doré (1832-1883), L'Arrivée de Charon (vers 1857), gravure, dimensions inconnues, localisation inconnue. Wikimedia Commons.

Puis Charon, un vieil homme irascible aux cheveux blancs et aux yeux noirs comme du charbon, apparaît dans son bateau. Il dit à Dante de s'éloigner des morts, car il ne sera pas transporté par lui avec ces âmes, mais doit organiser une autre traversée. Virgil s'assure qu'eux aussi seront transportés par Charon à travers la rivière marécageuse Achéron jusqu'à l'Enfer lui-même.

Paolo Vetri (1855-1937), Dante et Virgile devant le bateau de Charon (1875-77), huile sur toile, dimensions et emplacement inconnus. Image de Davide Mauro, via Wikimedia Commons. Gustave Doré (1832-1883), Charon fait monter les pécheurs sur sa barque (1857), gravure, dimensions inconnues, localisation inconnue. Wikimedia Commons.

Ces âmes destinées à l'enfer se précipitent pour monter à bord du bateau, Charon les balayant en utilisant sa rame pour frapper ceux qui sont lents. Le bateau les transporte ensuite à travers, alors qu'une autre charge se rassemble sur le rivage, prête pour le retour de Charon.

William Blake (1757-1827), The Vestibule of Hell and the Souls Mustering to Cross the Acheron (Dante’s Inferno) (1824-1827), aquarelle sur papier, dimensions inconnues, National Gallery of Victoria, Melbourne, Australie. Wikimedia Commons. Alexander Dmitrievich Litovchenko (1835-1890), Charon transportant des âmes à travers le Styx (1861), huile sur toile, dimensions inconnues, Musée russe, Saint-Pétersbourg, Russie. Wikimedia Commons.

Il y a alors une violente rafale de vent et un éclair rouge, et Dante perd connaissance.

Bien que le vers de Dante ne décrive pas sa traversée de l'Achéron en bateau de Charon, celle-ci a été imaginée par plusieurs peintres.

Eugène Delacroix (1798-1863), La Barque de Dante (Dante et Virgile en enfer) (1822), huile sur toile, 189 x 241 cm, musée du Louvre, Paris. Wikimedia Commons.

En 1822, le jeune Eugène Delacroix peint l'une de ses plus belles œuvres narratives, La Barque de Dante, montrant le couple traversant une rivière tumultueuse Achéron dans un très petit bateau.

José Benlliure y Gil (1855-1937), Bateau de Charon (date inconnue), huile sur toile, 103 x 176 cm, Museu de Belles Arts de València, Valence, Espagne. Wikimedia Commons.

Les artistes

José Benlliure y Gil (1855-1937) était un peintre espagnol né à Valence mais qui a passé une grande partie de sa vie professionnelle à Rome, où il est devenu directeur de l'Académie espagnole. Après avoir peint de petites œuvres de genre, il s'est tourné vers des récits classiques dont la merveilleuse peinture présentée ici.

William Blake (1757-1827) était un peintre et illustrateur visionnaire britannique dont le dernier ouvrage incomplet était une édition illustrée du Comédie divine pour le peintre John Linnell. La plupart de ses œuvres présentées dans cette série ont été créées pour cela, bien qu'il ait dessiné et peint des scènes au cours de sa carrière antérieure. J'ai une série importante sur son travail ici.

Eugène Delacroix (1798-1863) était un grand peintre français dont le style romantique et pictural a jeté les bases des impressionnistes. En plus de nombreuses œuvres de chevalet, il a peint des peintures murales et était également un lithographe accompli. Beaucoup de ses peintures sont narratives, et parmi les plus célèbres est La Liberté guidant le peuple à partir de 1830. Cet article se penche sur certaines de ses œuvres narratives.

Gustave Doré (1832-1883) était le premier illustrateur français du XIXe siècle, dont les peintures sont encore relativement méconnues. Au début de sa carrière, il a produit un ensemble complet de soixante-dix illustrations pour les traductions de la Enfer, qui ont été publiés pour la première fois en 1857 et continuent d'être utilisés. Ceux-ci ont été suivis en 1867 par plus d'illustrations pour Purgatoire et Paradiso. Cet article se penche sur ses peintures.

Alexandre Dmitrievitch Litovchenko (1835-1890) est né en Ukraine, mais a passé la majeure partie de sa carrière à peindre des événements historiques en Russie. Son tableau de Charon ci-dessus lui a valu une médaille d'or.

Paul Vétri (1855-1937) était un peintre italien précoce né en Sicile. Il fut l'élève du grand artiste narratif Domenico Morelli, et réalisa plusieurs grandes fresques murales ainsi que de nombreuses peintures de chevalet.

Robin Kirkpatrick (trans) (2012) Dante, La Divine Comédie, Inferno, Purgatorio, Paradiso, Pingouins classiques. ISBN 978 0 141 19749 4.
Richard Lansing (éd) (2000) L'Encyclopédie Dante, Routledge. ISBN 978 0 415 87611 7.
Guy P Raffa (2009) The Complete Danteworlds, A Reader’s Guide to the Divine Comedy, Chicago UP. ISBN 978 0 2267 0270 4.
Prue Shaw (2014) Lire Dante, D'ici à l'éternité, Droit de vivre. ISBN 978 1 63149 006 4.


L'amour et l'amitié de Dante et Virgile dans "l'enfer"

En poursuivant notre examen de quelques-uns des thèmes de la Enfer, nous allons maintenant examiner la relation transformatrice entre Virgile et Dante dans la première partie du Comédie divine. Le thème du guide et de la relation traverse toute la Divine Comédie. Virgile est le guide de Dante à travers l'Enfer et le Purgatoire. Béatrice succède à Virgile et devient le guide de Dante pour entrer au Ciel et le guide à travers les premiers cercles du Ciel. Béatrice est plus tard remplacée par saint Bernard, le grand philosophe augustinien et théologien de l'Amour divin au Moyen Âge. L'amour est le thème qui unit tous les guides de Dante.

Pourquoi Dante a-t-il choisi Virgile ? Il y a plusieurs raisons. Dante est italien et donc romain. Virgile était le plus grand des poètes romains. Dante veut être le plus grand des poètes italiens. Virgile apprend cela et remarque à Dante qu'il est fier alors qu'ils gravissent la montagne du Purgatoire. Dante était un amant et l'amour traverse ses œuvres. Virgile était le grand poète de l'amour. L'amour est un thème central dans toute la poésie de Virgile. Pour cette raison, Virgile était considéré comme le plus chrétien des poètes grecs et romains avant Jésus-Christ. Saint Augustin le considérait même comme un prophète pré-chrétien ! Le choix de Virgile comme poète de l'amour est aussi symptomatique de la relation que les deux nouent à travers le poème que je vais maintenant aider à décrypter.

Virgile comme guide de Dante a été l'un des plus commentés et spéculés dans la réception littéraire de Comédie divine. Lorsque nous rencontrons Virgile pour la première fois, c'est après que Dante est incapable de gravir la montagne vers le ciel, bloqué par trois créatures vicieuses qui refusent à Dante son chemin vers la montagne. Virgil informe Dante qu'il doit voyager avec lui à travers l'enfer avant de pouvoir commencer son ascension des pentes du mont Purgatoire vers le ciel.

La relation entre Dante et Virgile change radicalement au cours du poème. Leur relation atteint son apogée au Purgatoire alors que Virgile devient une sorte de figure paternelle pour Dante et Dante appelle même Virgile père à plusieurs reprises, scellant ainsi leur développement relationnel. L'accent mis sur la relation entre Dante et Virgile est délibérément inséré par Dante pour mettre en évidence l'anthropologie relationnelle du christianisme - les humains ne sont pas simplement des animaux sociables, mais des animaux profondément relationnels avec des émotions et des désirs, et cet apprentissage et cette confiance sont souvent accompagnés des autres.

Dès le départ, nous voyons une relation quasi-antagoniste dans laquelle Dante et Virgile sont quelque peu éloignés. Virgil sert de guide pour le pèlerin Dante et rien de plus. Alors que Virgil informe Dante de ce qui est devant lui et Dante, entendant les cris du réprouvé, continue d'interroger Virgil et s'évanouit pour se réveiller avec Virgil à ses côtés alors qu'ils commencent leur voyage dans le monde souterrain. La représentation initiale de la relation entre les deux, bien que Dante reconnaisse Virgile comme maître par respect, en est une dans laquelle il existe une certaine déconnexion entre les deux. Virgile parle simplement à Dante et Dante parle à Virgil. Ils ne se parlent pas tellement ou ne dépendent pas les uns des autres au début du voyage à travers l'Enfer et le Purgatoire.

Au fil du temps, cependant, ce mur invisible entre les deux commence à se dissiper et les deux se rapprochent dans l'amitié et la dépendance. Non seulement Dante a besoin de Virgile, mais Virgile, à certains égards, a aussi besoin de Dante. De plus, Virgil prend sur lui de sauver Dante de Méduse alors qu'ils sont sur le point d'entrer dans la ville de Dis parce que Virgil ne fait pas encore confiance à Dante. Là réside un autre élément de leur histoire commune : la confiance. Bien que les deux se rapprochent dans l'amitié au point que, dans le purgatoire, leur relation est celle d'un père-fils, Virgile ne fait pas entièrement confiance à Dante, comme en témoigne son retournement de Dante, puis lui couvrant les yeux avec ses mains comme le les démons invoquent Medusa pour bloquer leur entrée dans Dis. Ce n'est que par l'intervention divine - Deus Ex machina – que le duo puisse pénétrer dans les murs de la ville de Dis.

C'est à l'intérieur des murs de Dis (du sixième au neuvième cercles de l'Enfer) que la relation entre Dante et Virgile se transforme le plus au sein de Enfer. Leur relation sert également à l'opposé des crevasses les plus intérieures de l'enfer. Alors que les sixième à neuvième cercles de l'Enfer sont remplis de déni de la vérité, de trahison et de manque d'amour, Dante et Virgile se distinguent en enfer comme ayant la vérité (comme Virgile l'enseigne à Dante), l'amitié et la confiance (comme Dante s'appuie sur Virgile pour le faire traverser l'enfer) et l'amour (à travers la lumière qu'est Virgile et l'amitié et la dépendance qui se développent entre les deux alors qu'ils descendent plus loin dans l'antre de la bête).

Dans la troisième bolgia du huitième cercle de l'Enfer, il y a un moment de transformation et une expression d'amour qui se donne entre les deux alors que Dante se rapproche de plus en plus de Virgile. Comme ils doivent descendre la montagne pour atteindre les rives de l'une des rivières où Dante souhaite converser avec l'une des âmes damnées, les deux dialoguent entre eux où Virgile propose de porter le pèlerin fatigué vers la rive inférieure et Dante répond qu'il veut faire tout ce qui plaira à Virgile. C'est un moment de don de soi et d'amour agréable entre les deux qui se présente comme un opposé dialectique pur et beau à ce qu'est le reste de l'Enfer :

Qui est-ce, Maître, ce misérable en colère,

qui se tord plus qu'aucun de ses camarades »,

J'ai demandé, "celui léché par une flamme plus rouge?"

Et lui à moi, « Si tu veux être emporté

le long de cette rive inférieure jusqu'à l'endroit où il se trouve,

vous pouvez lui demander qui il est et pourquoi il est là.

Et moi : « Mon plaisir est ce qui te plaît :

Tu es mon seigneur, tu sais que par ta volonté

Je ne m'écarterai pas. Vous connaissez même mes pensées. (Chant XIX, 31-39)

Et c'est ainsi que leur transformation relationnelle s'impose. Dante fait confiance à Virgil et Virgil fait confiance à Dante et est prêt à aider Dante plus que simplement enseigner ou instruire Dante (intellectuellement). Ils sont liés plus étroitement ensemble dans la chair. Cela reflète également une idée importante au sein de l'anthropologie chrétienne selon laquelle nous sommes plus que nos âmes. Nous sommes corps et âme les joies de l'âme doivent être aussi les joies du corps et vice-versa. C'est pourquoi le mal de l'âme devient le mal du corps et le mal du corps le mal de l'âme aussi dans la pensée chrétienne. Il y a une unité entre les deux. Les amis qui sont réunis au niveau intellectuel ou spirituel seront également réunis au niveau corporel, partageant et s'aidant les uns les autres dans les épreuves et les douleurs physiques de l'autre, comme en témoigne Virgile offrant d'aider le Dante assiégé et épuisé à la banque pour avoir une conversation avec le pape Nicolas III (l'âme damnée).

La fin du dix-neuvième chant met en évidence l'amitié et la confiance transformatrices de don de soi encouragées par Dante et Virgile et que cette amitié et cet amour qui l'accompagnent sont la seule lumière en enfer. Leur amour leur permettra de persévérer à travers l'Enfer lui-même. L'amour conquiert toutes choses. Ce n'est pas seulement une croyance chrétienne, c'est aussi le reflet de Virgile qui, dans son recueil de courts poèmes - le les églogues – a déclaré la même chose : Omnia vincit amor (l'amour conquiert tout). Comme Dante le décrit alors qu'ils traversent l'Enfer :

Puis il m'a pris de ses deux bras,

Et quand il m'eut ferme contre sa poitrine,

Il remonta le chemin qu'il avait descendu.

Il ne se lassait pas du poids serré contre lui,

Mais m'a amené au sommet de l'arche du pont,

Celui qui relie la quatrième rive à la cinquième.

Et ici, il déposa doucement son fardeau—

Doucement, pour la crête, si raide et accidentée,

Cela aurait été difficile même pour les chèvres de traverser.

De là, une autre vallée s'est ouverte à moi. (Chant XIX, 124-133)

Il n'y a plus de crainte à ce que Dante se tourne vers Virgile pour obtenir de l'aide comme c'était le cas auparavant dans les chants antérieurs. Quelles que soient les inquiétudes de Dante, elles ont maintenant été surmontées. Virgile, tel que représenté par Dante, prend soin de lui pendant leur voyage et le dépose doucement sur une parcelle de terrain qui serait dangereuse même pour les chèvres. De plus, alors qu'ils poursuivent leur voyage (dans Canto XXI), Virgile s'ouvre davantage à Dante pour lui décrire sa famille et sa patrie – un reflet supplémentaire de la confiance grandissante entre les deux.

Alors que les deux se rapprochent du neuvième cercle alors qu'ils traversent les autres bolgias du huitième cercle, il devient clair pour le lecteur que les deux ont plus besoin l'un de l'autre que dans les cercles précédents de l'Enfer. Virgile s'ouvre à Dante, le ramassant et descendant les rochers (Chant XXIV), Virgile offre consolation et courage à un Dante affaibli pour surmonter ses peurs, et enfin le moment ultime du scellement de leur relation transformée à l'intérieur d'Inferno est terminé lorsqu'un Virgile mécontent (sur la flânerie de Dante) lui pardonne (Chant XXX). C'est le seul moment de pardon, de pardon et de repentance en enfer. C'est précisément ce qui manque à l'Enfer, et ce moment de pardon et de consommation finale d'amour et de confiance entre Dante et Virgile est ce qui leur était nécessaire pour entrer dans le neuvième et dernier cercle de l'Enfer où se trouvent les traîtres. En ce moment, Dante et Virgile sont vraiment réunis en un parti uni – ils ont besoin l'un de l'autre pour traverser le neuvième et dernier cercle de l'Enfer.

Au sein de l'Enfer, la relation entre Dante et Virgile est importante. Comme mentionné, Dante utilise leur relation pour contraster le bien et le mal, entre ce qui est idéal et ce qui a été rejeté dans la vie terrestre, méritant ainsi pour l'âme leurs difficultés en enfer. L'enfer est un endroit sans amour et sans vérité. La relation de Dante et Virgile devient une relation d'amour et de confiance alors qu'ils voyagent à travers l'enfer. En tant que tel, l'Enfer est un endroit sombre et gelé car le manque d'amour et de lumière n'apporte que destruction et séparation. Mais alors que les deux font leur voyage à travers l'enfer, ils sont réunis par leur amour et la lumière qui a brillé de cette relation transformatrice. L'enfer est un endroit où aucun pardon n'est offert, mais Virgile vient pardonner à Dante et ils peuvent entrer dans le neuvième cercle de l'enfer.

La relation entre les deux a été délibérément construite par Dante pour refléter l'idéal de la vie humaine et, en montrant qu'elle se déroule en enfer, l'a fait en contraste frappant avec ce que les conséquences du manque d'amour, de vérité et d'amitié font aux gens et à la société. (représenté par les âmes de l'Enfer et de la cité décomposée et mourante qu'est Dis). À cette fin, je dois vous informer que, si vous ne l'avez pas déjà compris, ou si vous n'avez pas pris conscience dans les lectures précédentes, que tout le voyage de l'Enfer au Ciel est un voyage d'amour, de beauté et de vérité. L'enfer est sans amour, laid et sans aucune vérité qui le traverse. Ce sont Dante et Virgile qui sont les seuls reflets de l'amour, de la beauté et de la vérité tels qu'ils sont vus dans leur relation. Au fur et à mesure qu'ils remontent le Purgatoire, cela se transforme en relation père-fils avant que Virgile ne parte et transmette Dante à Béatrice qui est une incarnation encore plus grande de l'amour, de la beauté et de la vérité que Dante et commence ensuite à guider Dante à travers le ciel qui est le point culminant de tout ce qui est amour (bon), beau (beauté) et véridique (vérité).

Vous pouvez lire mon essai littéraire concernant l'amour entre Dante et Virgile ici : Apprendre à aimer à nouveau : la descente de Dante dans « l'enfer »


Henri Fuseli, Dante observant les âmes montantes de Paolo et Francesca, Date inconnue. Plume, encre noire et grise, rehaussée de lavis. 18,5 x 11,8 pouces

« Les artistes de tous les médias ont répondu à la Comédie avec une abondance et un enthousiasme que même la Bible n'a pas égalés3 »

Depuis que Dante Comédie divine a été publié, il est à la fois devenu le canon de la littérature occidentale et a inspiré d'innombrables interprétations artistiques du voyage du poète à travers l'autre monde alors que lui et ses guides traversent les profondeurs de l'enfer, gravissent le mont Purgatoire, puis montent au paradis. « Les artistes de tous les médias ont répondu à la Comédie avec une abondance et un enthousiasme que même la Bible n'a pas égalés », écrit Jean-Pierre Barricelli dans l'article « Dante in the Arts : A Survey » publié dans l'édition 1996 de Études de Dante.

Les peintres ont depuis longtemps reconnu l'importance de comprendre intimement la matière première : par leur exécution, ils ont cherché à retranscrire la vision du poète.

« Les comparaisons imaginatives de Dante et les descriptions vivantes de l'au-delà ont suscité l'imagination d'innombrables artistes », a déclaré Deborah Parker, professeur d'italien à l'Université de Virginie. Art & Objet. "De nombreux artistes introduisent des changements, certains subtils, d'autres plus frappants", a-t-elle poursuivi. Gustave Doré et Sandro Botticelli – qu'elle cite en exemples – bien que généralement fidèles au texte de Dante, ont également introduit des changements dans leurs œuvres. Doré, par exemple, a ajouté plus de femmes parmi les damnés. « Les artistes ne se contentent pas de dépeindre, ils interprètent », a-t-elle déclaré.

Jean-Auguste-Dominique Ingres, Françoise de Rimini, 1814. Huile sur toile. 13,7 x 11 po. Musée Condé.

Notes de Parker, le poète moderniste T.S. Eliot lui-même a loué Dante pour la manière dont il a illustré l'une des fonctions par excellence de la poésie, à savoir « essayer de prendre conscience de idées" dans "des images visuelles claires". Le détail qu'il employait pour décrire l'Enfer et, dans une moindre mesure, le Purgatoire et le Paradis était si complet que le texte se prêtait à une transposition visuelle sans précédent.

Manuscrits et éditions imprimées de la Divina Commedia, qui étaient tous richement illustrés, ont contribué à la diffusion et à la popularité du poème lui-même, et ont fait de ce poème une source d'inspiration pour des œuvres qui vont au-delà de la simple illustration d'une scène de l'univers de Dante. Dante est devenu une référence principale non seulement en poésie, mais aussi en termes de descriptions réelles du monde souterrain. C'était à un point tel dans la culture occidentale, qu'il est sans doute devenu impossible d'ignorer le Comédie divine comme texte face aux représentations visuelles de l'Enfer, du Ciel et du Purgatoire.

Les artistes des XIVe et XVe siècles ont produit des miniatures et des manuscrits enluminés par dizaines. Sandro Botticelli a été le premier artiste en série du poème : il a fourni des illustrations, pour la plupart exécutées à la plume et à l'encre, à l'édition de Cristoforo Landino, montrant une grande compréhension de l'œuvre. Malheureusement, le manuscrit a finalement disparu, bien qu'il ait été redécouvert à la fin du XIXe siècle.

Une grande exception à la tradition picturale de Dante jusqu'aux années 1800 vient du maniériste tardif Federico Zuccari (1540-1609). En fait, jusqu'aux années 1800, la fortune des arts visuels Comédie apprécié était principalement lié à des œuvres d'art individuelles faisant référence ou inspirées par elle. Les dessins existants du cycle de Botticelli, en fait, bien qu'antérieurs à ceux de Zuccari, n'ont été publiés qu'en 1887. Notamment, Zuccari a utilisé trois techniques différentes pour chaque cantique. L'Enfer a été dessiné en deux tons (rouge et noir) le purgatoire à l'encre brune, car c'était le support privilégié pour la représentation de la lumière naturelle et diffuse. Les derniers chants du Purgatoire et du Paradis sont en rouge. Le Paradis, en général, est moins dramatisé que Purgatorio et Inferno, parce que le matériel source illustre principalement des concepts théologiques.

Sandro Botticelli, Carte de l'Enfer , c 1480 - 1490. 12,9 x 18,7 in (33 x 47,5 cm). Bibliothèque vaticane.

William Blake, The Lovers' Whirlwind, Francesca da Rimini et Paolo Malatesta, 1824 - 1827. Plume, encre et aquarelle. Musée et galerie d'art de Birmingham.

Gustave Doré, Rosa Celeste , 1892.

Frederico Zuccari, Sketches for Three Headed Lucifer. Uffizi Gallery.

And while not explicitly Dantean, Hieronymus Bosch’s depictions of Hell draw from Dante’s poetry, and the same can be said about Michelangelo’s Final Judgment, where the punishments the damned endure are inspired by the gory and vivid descriptions found in Dante’s Inferno.

Dante’s work saw very little artistic representation in the seventeenth century. The stern Protestant consciousness of Holland, then the great artistic center of Europe, was no fertile ground for visions of heaven, hell, saints, and sinners

The eighteenth century yielded a number of noteworthy Dante-related artworks. In 1757, Antonio Zatta and his collaborators worked on his Venetian edition. The 106 copper-print illustrations that emerged have a graceful refinement reminiscent of the Rococo.

Yet, it's the nineteenth century that saw Dante's work endure robust popularity in the arts, given the fascination the Romantics and, at a later date, the Pre Raphaelites and the Nazarenes had with the Middle Ages and Medieval literature.

Gallerie degli Uffizi Instagram page.

Henry Fuseli did a series of six wash drawings for the Inferno and Purgatorio and several oils. Between 1826 and his untimely death in 1827, William Blake realized 102 unfinished pencil sketches and watercolors that encompass the Inferno, the Purgatorio, and the Paradise. The artist also injected his private vision into the poem to such an extent that Blake’s illustrations are less visual renderings of the text and more a presentation of Blake’s own philosophy filtered through Dante.

Ingres and Delacroix both made Dante-themed work. Ingres painted a frontal composition of Paolo and Francesca, the adulterers that appear in Inferno V. He also featured Dante in a group painting titled The Apotheosis of Homer (1827), which depicts Homer being crowned as he’s flanked by poets, artists, and philosophers both ancient and modern.

Henry Fuseli, Dante and Virgil on the Ice of Kocythos, 1774. Pen, sepia, and watercolor. 15.35 x 10.78 in. Kunsthaus Zürich.

“The general cultural Zeitgeist or world view of wealthy countries of the western world in the present day has probably never been so far from Dante's medieval assumptions and conceptions. And yet we continue to read him.”

Perhaps the nineteenth-century Dante-themed body of work that has had the most enduring popularity is by French illustrator Gustave Doré. In his lifetime, he did watercolors, ink washes, oils, and white gouaches of selected Inferno scenes, yet it’s his series of tonally shaded woodcut engravings that represents the climax of his career from the point of view of technical dexterity and commercial success. With this massive endeavor, Doré sought to bridge the gap between the fine arts and illustration, and while he enjoyed commercial success, it seems he failed to achieve this particular mission.

“Doré’s success is owing to the international diffusion of his work in numerous translations of the Comédie divine, and his highly lauded “visionary eye,” Professor Deborah Parker says. “Doré’s illustrations have clear contours, dynamically positioned figures, and arresting juxtapositions of dark and light tones.”

Dante’s Comédie divine has also been interpreted in several different styles that went on to characterize twentieth-century art. According to Parker, Franz von Bayros (1886-1924)’s rendition is in a style that can be easily recognized as Art Nouveau. While mostly known for his erotic illustrations, von Bayros combines symbolism and art nouveau imagery for this series. Still, Parker notes that Von Bayros’s illustrations are more erotic than comparable work by other artists, and he had the tendency to depict less culturally popular passages that other artists overlooked.

In 1950, in preparation of the 700th anniversary of the birth of Dante, the Italian government commissioned Salvador Dalí to illustrate the Comédie divine. Dalí, executed the whole Commedia in lithographs accompanying the text of the poem, with each section displaying a specific aesthetic: the Inferno is surreal, oneiric, and fantastic Purgatorio’s aesthetic is existentially expressionistic and Paradiso is the most traditional in its composition, such that it brings forth a happier, almost religious aesthetic.

Between 1958 and 1960, multidisciplinary artist Robert Rauschenberg created a series of drawings devoted to Dante’s Inferno. He combined his own drawings and watercolors with images transferred with a chemical solvent from glossy magazine reproductions. In his drawings, he placed the Comedy in a contemporary context: JFK and Adlai Stevenson appear in the series. Through symbols and Dante’s clever framework, he exhibited his personal revulsion at modern civilization’s transgressions.

Franz von Bayros, Paradise, Canto XVI, 1921.

In the 1960s, politician and painter Renato Guttuso presented his drawings (fifty total) often of Marxist inspiration with sardonic wit, vibrant colors, caricatures of his contemporaries, anger, and snippets of the poem's text.

In all, modernists embraced Dante. Some scholarship maintains that his descriptions of the highest spheres of Paradise can be codified as abstract. Italian literary critic Giorgio Petrocchi wrote in his seminal work Vita di Dante: “Dante came to the abstract art of the third canticle, its incorporeal, immaterial luminism, a variegated chromatism that, in Paradise, results in the prevalence of the poetry of the eye and of the sound, fueled by the long search for eternal light.”

As the 700th anniversary of Dante’s death approaches, it’s only natural to wonder how his work enjoyed sustained appeal. “The general cultural Zeitgeist or world view of wealthy countries of the western world in the present day has probably never been so far from Dante's medieval assumptions and conceptions. And yet we continue to read him,” Alison Cornish, Professor of Italian and Chair of Italian Studies at NYU, tells Art & Object. “Dante might be for us as Virgil was for him: a poet who can still guide us, but whom we would consider superseded in his religious beliefs and politics, left behind in Limbo, which is a dim but not too unpleasant place in Hell.”

This is especially true for non-Italian readers of Dante. “It helps that they are untouched by his canonical status: it is not required reading, it is not expected reading, it is not already known to the point of being banal,” Cornish continued. “It seems, rather, quite exotic. Like a contemporary video game, it describes a whole, complete universe, rational in all its parts it has clear rules and boundaries. Like all good books, what draws readers in and keeps them coming back, is the sense that what they are reading has hit on some sort of truth that touches us all.”


Eugene Delacroix, Dante and Virgil in Hell

In 1824 Delacroix painted much of his Massacre at Chios (Louvre). The violence of the subject matter and ravishing color of this work and of The Death of Sardanapalus (1827 Louvre) were heavily condemned by some critics. In England in 1825 he spent several months absorbing English painting and making numerous studies of horses. As a tribute to Byron and the Greek War of Independence he painted Greece Expiring on the Ruins of Missolonghi (1827 Bordeaux).

The four months Delacroix spent in Morocco in 1832 provided him with visual material that he drew upon for the rest of his life. There he filled seven fat notebooks with brilliant watercolor sketches and notes. His continuing fascination with the exotic was revealed by Women of Algiers (1834 Louvre) and The Jewish Wedding (1839 Louvre). His powerful Entrance of the Crusaders into Constantinople (1841 Louvre) is a compelling, epic work of history painting.

Delacroix's other major sources were the works and lives of major literary figures. In 1820 he made 17 bizarre and exciting lithographs for Goethe's Faust. He used Shakespeare often in several media (e.g., Hamlet and Horatio in the Graveyard, 1839 Louvre). He was also inspired by turbulent scenes from the plays and poems of Byron (e.g., Combat of the Giaour and the Pasha, 1827 Art Inst. of Chicago), from the novels of Scott, and from a number of other literary works. He also created many strong paintings on religious themes.

Delacroix's Self-Portrait (1835–37 Louvre) reveals a thin, dynamic, yet reserved countenance. He also portrayed many notable contemporaries, including Paganini (1832 Phillips Coll., Washington, D.C.) and, in 1838, his close friends Chopin (Louvre) and George Sand (Copenhagen). Of his animals in motion, the watercolor Tiger Attacking a Horse (1825–28 Louvre) and The Lion Hunt (1861 Art Inst. of Chicago) are characteristic. During the last three decades of his life he secured numerous public commissions. His decorations in the Palais Bourbon (1833–47 Paris), the Palais de Luxembourg (1841–46), and the Church of Saint-Sulpice (1853–61) are examples of his genius as a muralist. His work is best represented in the Louvre.

Utilisé avec autorisation. The Columbia Encyclopedia, Sixth Edition. Copyright © 2001 Columbia University Press


Soyeleazar

There is an evolution in the relationship between Dante, who is a pilgrim, and the guide Virgil throughout Dante’s Inferno. In the analysis of the transformation in this relationship of the two as sojourns through the hell’s circles, Dante’s mindset can easily be learnt as a poet. From the onset of the presentation, Dante is seen to be holding very high esteem for Virgil, whom he considers as his genius in literary work and is ultimately subservient to. However, as this two continue in their relationship, Dante’s is enlightened spiritually through the facilitation of Virgil. At the end, Dante is seen to have ascended to the high spiritual level similar to that of Virgil and even surpassing Virgil in spirituality.

Virgil’s relationship with Dante

Virgil’s relationship with Dante is based on seeing him through the different levels in Hell. Virgil was to show Dante the consequences of him failing to change and come back to God in his life. From the onset, Dante had a lot of doubts regarding the expedition that he was on. The relationship with Virgil crops when he reveals to Dante that he had been sent by St. Lucy and Beatrice from heaven to give him guidance and protection.

The relationship through the Journey

Most of Dante’s inspiration came from Virgil. Throughout their relationship, Virgil turns out to play vital roles in the success and spiritual growth of Dante in all the levels through hell. For instance, Dante is metaphorically portrayed as a poet in the Purgatorio. This plays as a major shaper in the relationship between the two. Here, Dante leaves the cruel sea which is Hell and navigates, coursing towards the waters that are better. This metaphor appears familiar as Virgil had previously used it. The information about Virgil exists in two different aspects, one in literature form and the other in history of which he seems to be portrayed differently. More insight into the character of Virgil is acquired through the reading of his writings which is different from that presentation in the history books. Dante portrays the character of Virgil as being strong and brave and one who offers familiarity and comfort to him. This is the same manner in which Virgil is portrayed in the Aeneia. The relationship between Virgil and Dante is seen to be a strong one, especially considering that Dante values Virgil and treats him with much reverence and respect as a writer. This is the reason behind the presentation of most of Dante’s comedy in the style of Virgil. To Dante, Virgil is an important figure in his life and he looks up to him in a lot of ways. This relationship seems to evolve in the Purgatorio, where Dante does not regard Virgil just as a mere friend but has deep trust in him. This relationship between the two grows to an abnormal level and is close to being the relationship exhibited between a father and a son. This is so because Dante grows to have utter and complete trust in Virgil.

The relationship between Dante and Virgil is seen to be developing as they move through various circles in Hell. From the ‘vestibule’, Dante and Virgil head for the ferry to cross the over to the proper Hell across the Acheron River. Charon, who is piloting the ferry, insists that Dante should not enter the ferry on the basis that he is a living being. This forces Virgil to intervene and go to the line ‘Vuolsi così colà dove si puote’ and which translates to the words ‘so it is wanted there where the power lies’. He used this to refer to the fact that Dante’s journey was headed to grounds that were divine. Once they cross to the other side, Dante is guided by Virgil through all the circles in Hell. This is how important Virgil was to Dante.

Virgil is seen to be guiding Dante through his journey in Hell. Their relationship is firmly based on the fact that every one of them has to fulfill his roles and fate through their journey therefore making it possible for us to be able to analyze the mindset of the two. Dante’s subservience to Virgil at the beginning is evident. This kind of regard that Dante holds shows the magnitude of respect and honor that he has toward Virgil and is further exhibited in the lines “May my long study and the intense love that made me search your volume serve me now” Dante further goes ahead to say, “You are my master and my author, you-the only one from whom my writing drew the noble style for which I have been honored.” In this aspect, their relationship seems to be stronger and one built in mutual respect. (Dante & Mandelbaum, 1988. Pg. 122-125). It is easy to recognize the way the two refer to each other throughout their journey in Hell. Dante shows his regards to Virgil, who he views as his mentor, in various ways. Sometimes Dante calls Virgil, ‘Lord’, ‘Teacher’, ‘Master’, My guide’ or even ’sage’. Virgil is seen on many occasions to be referring to Dante as ‘son’. By this, it clearly maps the type of relationship that existed between the two as more of a father-son relationship.

Virgil’s importance is seen in another level. He is portrayed as an elder who is wise and employs the use of a lot of fairy tales and myths. These add up to guide the heroine and the heroes throughout the dangers in their journeys, thus, leading them to the treasures that they most often than not seek. This facilitates the strengthening of the relationship between Virgil and Dante as Dante’s reverse for Virgil is intense that he learns a lot from him even in his poetry. Dante sets ready to do all that he is told by Virgil because of the complete trust that he has in him. This is the reason that sees his inspiration to go and guide Dante through to the dark woods. This relationship is further instrumental in motivating Dante to keep on with his going even in times when he seems to want to turn back.

The journey through hell greatly changes the relationship that Dante had with Virgil through a series of evolutions. The relationship that exists between Dante and Virgil is a case that presents the possibility of humans having strong values and concern for the other. This strength in a relationship can lead to a presentation of an indifferent that is very strong in contrast or the hostility that the demand’s souls show to one another.


Major Works of Romanticism

Delacroix continued to impress the critics and his clients with works such as �th of Sardanapalus” (1827), a decadent scene of a defeated Assyrian king preparing to commit suicide. One of his most famous paintings was “Liberty Leading the People,” a response to the July Revolution of 1830, in which a woman holding a French flag leads a band of fighters from all social classes. It was purchased by the French government in 1831.

After traveling to Morocco in 1832, Delacroix returned to Paris with new ideas for his art. Paintings such as “The Women of Algiers in Their Apartment” (1834) and “Moroccan Chieftain Receiving Tribute” (1837) defined his Romantic interest in exotic subjects and faraway lands. He also continued to paint scenes borrowed from the work of his favorite authors, including Lord Byron and Shakespeare, and he was commissioned to paint several rooms at the Palais Bourbon and the Palace of Versailles.


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