Le Jugement de Cambyse, David

Le Jugement de Cambyse, David


L'écorchage ou le dépouillement vif est une autre méthode d'exécution très ancienne. La victime a été déshabillée et ses mains et ses pieds sécurisés pour arrêter tout mouvement. Ensuite, le bourreau taillait la peau avec un couteau tranchant et l'éloignait des muscles. Le visage était souvent écorché en premier pour causer un maximum de souffrance, car la victime était encore consciente. Pour aggraver la punition, le bourreau pouvait d'abord faire bouillir la victime pendant quelques minutes, car cela ramollissait la peau, ce qui la rendait plus facile à déchirer.

La procédure a laissé non seulement les muscles mais aussi les nerfs exposés. C'était angoissant, mais cela laissait également le corps de la victime vulnérable. Donc, si le choc de la douleur ne les tuait pas, la perte de sang et l'hypothermie ou, s'ils survivaient assez longtemps, l'infection entraînerait la mort.

Un certain nombre de cultures pratiquaient l'écorchage. Une foule chrétienne enragée a écorché la femme philosophe Hypatie d'Alexandrie en la tuant & ldquoavec des tessons.&rdquo Les Aztèques et les Assyriens écorchèrent tous deux leurs ennemis. Dans le cas des Aztèques, les prisonniers de guerre étaient écorchés vifs tandis que les Assyriens aimaient faire un exemple des dirigeants vaincus de leurs ennemis en les écorchant.

La peau exposée d'une personne écorchée pourrait servir d'avertissement et de dissuasion. Une légende de Hadstock, dans l'Essex, en Angleterre, a raconté comment des paroissiens médiévaux ont cloué la peau écorchée d'un raider danois à la porte de l'église pour avertir d'autres maraudeurs non chrétiens. La légende s'est avérée vraie. Lorsque la porte a été réparée, des morceaux de peau humaine ont été trouvés sous les clous de la porte.

De 900 après JC jusqu'à son interdiction en 1905, les Chinois pratiquaient un type de dépouillement appelé Ling chi ou la mort de mille coupures. Cette mort prolongée n'était attribuée qu'aux coupables de trahison. L'une de ces personnes était Lui Jin, un eunuque impérial du XVIe siècle. Lui Jin était le chef de &ldquoLes huit tigres&rdquo un groupe de puissants eunuques de la dynastie Ming. Lorsque leur empereur a commencé à négliger les affaires impériales en raison de son mode de vie dissolu, Lui Jin a effectivement organisé un coup d'État et a commencé à adopter des lois à la place de l'empereur.

Cependant, une fois que l'empereur eut pris connaissance de la situation, il fit arrêter Lui Jin et le condamner à Ling chi. L'ancien fonctionnaire du tribunal a été condamné à 1 000 coupures par jour sur une période de trois jours. Lui Jin n'a survécu que jusqu'au deuxième jour, juste assez longtemps, a reçu 300-400 de son deuxième jour de coupures.


L'art de la loi : peintures de cours 1, à 1903

Honoré Daumier (1808-1879), Two Lawyers Conversing (date inconnue), craie noire et gouache en blanc et gris avec un peu d'aquarelle rose pâle, jaune et marron, 20,9 x 27 cm, The Morgan Library & Museum, New York, NEW YORK. Wikimedia Commons.

Les tribunaux, où les citoyens sont jugés pour des crimes présumés ou poursuivent des griefs contre d'autres, sont aussi anciens que les dirigeants. Leur nom indique comment ils étaient autrefois une audience devant un monarque ou leur représentant. Lorsque les civilisations classiques de la Grèce et de Rome ont adopté des constitutions plus démocratiques, des juges, des magistrats et des jurés ont été substitués au souverain.

Avant le XIXe siècle, les tribunaux figuraient généralement dans deux groupes de peintures : celles impliquées dans des événements clés de la Bible, notamment le procès de Jésus-Christ, et celles figurant dans les grands récits historiques.

Gerard David (c 1450/1460-1523), Le Jugement de Cambyse (1489), diptyque huile sur panneau, 202 x 349,5 cm hors tout, Groeningemuseum, Bruges, Belgique. Wikimedia Commons.

L'histoire donnée par Hérodote sur la corruption de Sisamnès, connue sous le nom de Jugement de Cambyse, est aujourd'hui très obscure. Cependant, en 1489, il a formé la base de deux peintures de Gérard David qui sont maintenant considérées comme un diptyque.

Sisamnes était un juge notoirement corrompu sous le règne du roi Cambyse II de Perse, et a accepté un pot-de-vin en échange d'un verdict injuste.

Gerard David (c 1450/1460-1523), Le Jugement de Cambyse (panneau de gauche) (1489), huile sur panneau, 202 x 172,8 cm, Groeningemuseum, Bruges, Belgique. Wikimedia Commons.

Dans le panneau de gauche, Sisamnes est arrêté par le roi et ses hommes, alors que le juge est assis dans son fauteuil officiel. Les gestes de la main indiquent la corruption qui avait été à l'origine du crime de Sisamnès.

Gerard David (c 1450/1460-1523), Le Jugement de Cambyse (panneau de droite) (1489), huile sur panneau, 202 x 172,8 cm, Groeningemuseum, Bruges, Belgique. Wikimedia Commons.

Le roi Cambyse condamne Sisamnes à être écorché vif, comme indiqué au premier plan. En haut à droite, David utilise un récit multiplex pour montrer la peau du juge puis recouvrant la chaise officielle, comme un rappel à tous ceux qui jugent du sort qui les attend s'ils devenaient un jour corrompus ou injustes.

L'horrible paire de peintures de David a rappelé aux autorités brugeoises l'importance d'un système judiciaire indépendant et la peine infligée à tout juge tenté par la corruption ou toute autre forme d'influence. maintenant.

L'autre histoire du jugement beaucoup plus connue est celle du roi Salomon, racontée dans l'Ancien Testament, et dans une succession de peintures merveilleuses depuis la Renaissance. Deux femmes ont chacune affirmé être la mère du même bébé en bonne santé, alléguant que l'autre était la mère d'un enfant mort. Le sage jugement de Salomon était de menacer de couper le bébé vivant en deux, ce qui a suscité la réponse protectrice correcte de la vraie mère de cet enfant.

Nicolas Poussin (1594-1665), Le Jugement de Salomon (1649), huile sur toile, 101 x 150 cm, musée du Louvre, Paris. Wikimedia Commons.

Le célèbre tableau de Nicolas Poussin de 1649 utilise une composition classique, les deux femmes se disputent et leurs actions l'empêchant de devenir trop symétrique. Chronométré légèrement avant la levée de l'épée, le maître du récit peint dépeint le langage corporel avec une grande clarté. Les mains de Salomon indiquent son rôle d'arbitre, en montrant un juste équilibre entre les deux parties.

La vraie mère, à gauche, lève la main gauche pour dire au soldat d'arrêter de suivre les instructions du roi et d'épargner l'enfant. Sa main droite est tendue vers la fausse mère, indiquant qu'elle a demandé que le bébé aille vers elle plutôt que de mourir. La fausse mère montre l'enfant du doigt d'un air accusateur, son expression pleine de haine. Les mains sont également levées dans le groupe de droite, indiquant peut-être leurs réactions au jugement de Salomon.

Ce n'est qu'au XIXe siècle qu'un intérêt croissant pour les tribunaux contemporains et des procès très médiatisés en ont fait un thème populaire dans les peintures. Comme très peu de gens le voient à l'intérieur d'une salle d'audience, l'une des premières tâches des artistes a été de révéler à quoi ils ressemblaient - une tâche qui se poursuit encore aujourd'hui avec des illustrations dans les journaux et à la télévision.

Thomas Rowlandson (1756-1827) et Augustus Charles Pugin (1762-1832), The Old Bailey, également connu sous le nom de Central Criminal Court (1808), aquatinte de John Bluck et autres, planche 58 dans ‘Microcosm of London, plus de détails pas connu. Wikimedia Commons.

Peinture de Thomas Rowlandson et Augustus Pugin L'Old Bailey, également connu sous le nom de tribunal pénal central de 1808, ici vue dans une aquatinte, est une bonne vue topographique de cette cour anglaise la plus célèbre. Le juge qui préside est assis sous une épée de justice Damoclean à gauche, et les douze hommes du jury sont à droite du centre. A l'extrême droite se tient l'accusé, devant lequel se trouve un grand nombre de témoins prêts à témoigner.

Adolph Tidemand (1814-1876), Scène devant un magistrat à la campagne (avant 1858), lithographie de Winckelmann & Sönner, Berlin, plus de détails inconnus. Wikimedia Commons.

C'était, et c'est toujours, un tribunal d'exception. Adolph Tidemand est plus typique du type de tribunal auquel les citoyens ordinaires peuvent être confrontés. Scène devant un magistrat à la campagne (avant 1858), vu ici dans une lithographie. Situé quelque part dans la Norvège rurale, le banc des magistrats se trouve à droite dans un environnement plus exigu et modeste. Sa justice a peut-être été plus rude, mais l'expérience a été beaucoup moins intimidante et moins submergée par les avocats.

Dans certaines juridictions, la montée en puissance des avocats au cours du XIXe siècle n'a pas été bien accueillie.

Honoré Daumier (1808-1879), Trois avocats (1855-57), huile sur toile, 16 x 12,75 cm, The Phillips Collection, Washington, DC. Wikimedia Commons.

Pour l'oeil satirique d'Honoré Daumier, Trois avocats (1855-1857) était le rassemblement d'une élite qui voulait s'aider elle-même, plutôt que les malheureux qu'elle prétendait représenter. La tête renversée et serrant d'épaisses liasses de papiers, Daumier les respectait moins qu'ils n'en avaient pour eux-mêmes.

Honoré Daumier (1808-1879), Avant l'audience (1860-1865), encre et aquarelle sur papier, 9,1 x 8,9 cm, The Phillips Collection, Washington, DC. Wikimedia Commons.

Daumier’s Avant l'audience de 1860-65 les montre dans une cabale serrée avant d'entrer dans la cour.

Honoré Daumier (1808-1879), Two Lawyers Conversing (date inconnue), craie noire et gouache en blanc et gris avec un peu d'aquarelle rose pâle, jaune et marron, 20,9 x 27 cm, The Morgan Library & Museum, New York, NEW YORK. Wikimedia Commons.

Dans son non daté Deux avocats conversant, vous pouvez être sûr qu'ils ne préparent rien de bon, sauf pour eux-mêmes.

D'autres artistes ont adopté un point de vue plus conventionnel et moins critique.

Abraham Solomon (1824-1862), En attendant le verdict (1859), huile sur toile, 63,5 x 88,9 cm, J. Paul Getty Museum, Los Angeles, CA. Wikimedia Commons.

La magnifique paire de peintures d'Abraham Solomon est en fait située juste à l'extérieur de la cour. Dans la première, le père et la famille de l'accusé sont vus En attendant le verdict (1859) à la fin d'un procès. Le tribunal apparaît en camée jusqu'à droite, dans cet étrange état d'animation suspendue en attendant la décision.

Abraham Solomon (1824-1862), Non coupable (1859), huile sur toile, 63,5 x 88,9 cm, J. Paul Getty Museum, Los Angeles, CA. Wikimedia Commons.

Le pendentif de Salomon montre l'exaltation lorsque le verdict de Non coupable (1859) est renvoyé. L'homme, maintenant libéré du quai, est embrassé par sa femme, qui est agenouillée en supplication, alors que leur jeune enfant tend la main pour toucher le visage de son père. Son père, les yeux humides de larmes de soulagement, remercie vivement leur avocat.

Au lieu de la vue de la cour lointaine, qui est symboliquement rejetée alors que l'avocat ferme une porte sur le bord droit, le côté gauche du tableau mène maintenant à la lumière chaude du début du crépuscule dans le monde extérieur, indiquant la liberté .

Jean-Léon Gérôme (1824-1904), Phryné devant l'Aréopage (1861), huile sur toile, 80 x 128 cm, Kunsthalle Hamburg, Allemagne. Wikimedia Commons.

Jean-Léon Gérôme’s Phryné avant l'Aréopage de 1861 renvoie à une légende classique d'une affaire judiciaire inhabituelle à Athènes.

Phryne était une courtisane très réussie et très riche (hétaïre) dans la Grèce antique qui a été traduit en justice pour le crime grave d'impiété. Lorsqu'il parut inévitable qu'elle serait reconnue coupable, l'un de ses amants, l'orateur Hypéride, prit sa défense. Un élément clé de cela était de la dévoiler nue devant le tribunal, dans le but de surprendre ses membres, de les impressionner par la beauté de son corps et de susciter un sentiment de pitié. La légende prétend que ce stratagème a parfaitement fonctionné.

Gérôme montre tout un manuel de réponses pour surprendre parmi les membres du tribunal, bien que Phryne elle-même ne couvre pas son corps, mais ses yeux, chacun des hommes du tribunal, bien sûr, la regarde droit dans les yeux. Au moment où Gérôme a peint cela, la France était bien dans son Second Empire, lorsque Napoléon III avait retiré le bâillon de la presse française, et passait de son premier régime autoritaire vers le plus libéral. La légende de Phryné était un véhicule commode pour Gérôme pour exprimer son opinion politique, et sa nudité suggère que son rôle est celui de la Vérité.

La couverture d'affaires judiciaires importantes en est venue à dominer les reportages dans la presse à travers l'Europe et l'Amérique du Nord. Plusieurs cas sont devenus si populaires qu'ils ont poussé des artistes à les représenter, et l'un, l'affaire Dreyfus en France, a eu une influence durable sur l'histoire de cette nation.

Frederick Sargent (1837-1899), The Tichborne Trial (1873-1899), huile sur toile, 100 x 125 cm, Hampshire County Council Museums Service, Winchester, Angleterre. Wikimedia Commons.

La peinture de Frederick Sargent Le procès de Tichborne (1873-1899) montre l'un des cas les plus importants en Angleterre. En 1854, Roger Tichborne, héritier d'un titre et des richesses familiales, est présumé mort dans un naufrage. L'année suivante, un boucher australien a fait valoir qu'il était cet héritier, ce qui a été testé dans une affaire devant un tribunal civil, entendue entre 1871 et 1872.

Le résultat de cette décision a rejeté la demande, et le boucher australien a ensuite fait l'objet de poursuites pénales pour parjure, dans l'une des affaires pénales les plus longues entendues par un tribunal anglais, pendant 188 jours entre 1872 et 1873. La peinture de Sargent montre cette affaire en cours, avec l'accusé assis juste en dessous du centre et regardant droit devant lui. Debout à sa droite se trouve son avocat, Edward Kenealy, avec des moustaches en « côtelette de mouton ».

Le boucher australien a été reconnu coupable, condamné à quatorze ans de prison et est finalement décédé dans la misère en 1898. Sa carrière d'avocat était également terminée et il a ensuite été radié du barreau. Il a été élu député de son propre parti politique en 1875, mais est décédé peu de temps après avoir perdu ce siège en 1880.

William Frederick Yeames (1835-1918), défendeur et avocat (1895), huile sur toile, 133,4 x 198,8 cm, Bristol Museum and Art Gallery, Bristol, Angleterre. L'Athénée.

Le mélodrame du processus judiciaire est montré dans William Frederick Yeames’ ‘problem picture’ Défendeur et avocat à partir de 1895. Une femme mariée aisée portant un manteau de fourrure coûteux est assise avec un journal populaire ouvert devant elle, alors qu'une équipe de trois avocats et leur greffier la regardent intensément, attendant vraisemblablement qu'elle parle.

Comme elle est la défenderesse, le spectateur est encouragé à spéculer sur ce qu'elle défend : une demande de divorce ou une accusation criminelle ? Comme avec Yeames’ plus tôt Et quand avez-vous vu votre Père pour la dernière fois ? et Gérôme’s Phryné devant l'Aréopage, cela peut être une autre exploration de la vérité et de ses problèmes.

Ferdinand Brütt (1849-1936), Devant les juges (1903), huile sur toile, 80 x 115 cm, lieu inconnu. Wikimedia Commons.

Ferdinand Brütt’s Devant les juges de 1903 montre la fin d'une époque dans la salle d'audience, alors qu'un fonctionnaire allume les bougies de son lustre et que ses trois juges siègent pour entendre l'affaire qui leur est soumise.

Dans le prochain et dernier article, je me pencherai sur les remarquables peintures de cour de Jean-Louis Forain et l'œuvre de l'artiste de cour moderne.


Le Jugement de Cambyse, David - Histoire

Gérard David (vers 1460

Le Jugement de Cambyse (panneau de gauche)
1498
Huile sur bois

202 x 172,8 cm
Musée Groeninge, Bruges

[캄비세스 재판]은 , 작품이다. ‘정의’라는 비전으로 받은 중요한 작품이다. . 줄 수 장면들이었다.

[캄비세스 재판]은 . 그려져 있다. . 있다 . 브뤼헤 시청사 ‘정의의 회랑(로지아, loggia)’에 아버지 시삼네스의 피부가죽을 덮은 의자가 보인다. Otanes .

Gérard David (vers 1460

Le Jugement de Cambyse
1498
Huile sur bois

202 x 172,8 cm
Musée Groeninge, Bruges

[역사]와 동방 기원의 전설과 될만한 정치적 모은 [제스타 로마노룸]이다. [제스타 로마노룸]은 16쇄를 거듭한 책으로서 [플루타르크 영웅전]처럼 , , 아울루스 겔리우스, , , , 등의 판단에 교훈을 주며, . 29번째 , 등장한다.

수수에 대한 경고와 정의의 권장

6세기 . . 이러하다. '누군가 그대에게 기억하라. 운명을 내려다보고 그의 운명이 그대에게 닥치지 않도록.’ 가혹한 감이 있지만, 뇌물 수수에 대한 경고 및 정치적으로 바른 행위에 대한 교훈을 담은 제작할 당시 브뤼헤에서 널리 읽혔다. 일이 .

하나이다. 고대 이래 ‘정의 Justice’의 재현에는 정의를 의인화한 유스티치아 Justitiae가 대표적 표상으로 사용되었고, 유럽의 수많은 시청사 앞에 조각되었다. '정의'는 띠로 묶은 모습이다. 의외이지만, 눈에 보이는 판단하지 것을 말한다.

헨드릭 콜치우스를 복제한 야콤 마탐의 동판화 [정의(Justice)]

Sanzio Raphaël ( 1483

Justice (tondo au plafond)
1509-11
Fresque

diamètre 180cm
Stanza della Segnatura, Palazzi Pontifici, Vatican

, . . [솔로몬의 판결(한 아이를 두고 진짜 어머니를 다투는 여인들)], [수잔나와 장로들], [에스더와 아하수에르스], [빌라도 앞의 그리스도], [최후의 심판] 등은 , .

서쪽 파사드에 묘사되곤 하던 [최후의 심판]은 심판(재판, 따라서 ‘정의’)을 다루기에, 법정으로도 사용된 유럽 시청사 공공미술 주제로 자주 사용되었다. [최후의 심판]은 그림이다. [최후의 심판]에는 , 미카엘이 죄의 저울을 들고서 나눈다. , , . [최후의 심판]에 미카엘의 주목할만 하다.

Gérard David (vers 1460

Retable de Saint Michel

Huile sur bois

Kunsthistorisches Museum, Vienne

Hans Memling (vers 1440

Triptyque du Jugement dernier (au centre)
1467-71
Huile sur bois

221x160cm
Musée Narodowe, Gdansk

[캄비세스 재판]은 당시 사람들이 ‘정의’에 생각했던 관념인 정의 중 , 정의를 다루고 있다. 팔라쪼 푸블리코에 있는 르네상스 이탈리아의 대표적 공공미술인 암브로시오 로렌체티의 [선한/나쁜 정부의 알레고리 : 선하고 나쁜 정부가 각각 도시와 지방에 미치는 효과]에서도 '공정한 정의'의 모습 '분배의 정의'와 '보복하는 정의'로 묘사되기도 했다.

Effets du bon gouvernement sur la vie en ville (détail)

1338-40
Fresque
Palazzo Pubblico, Sienne

분배의 정의와 보복의 정의

'보복의 정의'라 직결된다. [캄비세스 재판]에서 , . 충격적이다. ‘칼과 피부의 벗김’이라는 도상적으로는 피부와 연관되며, 피부를 칼을 상징 있는 성 연관성이 있다. , 유럽 각지의 떠올리게 한다. 처형과 정의'를 수 있는 중요한 작품으로 네덜란드의 화가 디르크 보우츠의 그림 [황제 오토 III의 재판]을 들 수 있다. [캄비세스 재판]과 언급하고자 한다.

(좌) 화파 [성 바르톨로뮤의 순교] 1450-1500, 템페 라, 61x59cm, 바티카나, 로마

(우) 독일 쾰른 시청사의 '정의' 조각상 장식

같은 '정의 Justice('심판', '재판'이라는 뜻도 있다)' 장면들이 유럽에서 시청 장식의 관례적 주제로 되풀이된 까닭은 사법 및 행정을 담당하는 관료들이 모범적 예화로 형상화된 작품을 보며 . 다비드의 [캄비세스 재판]에서는 그 리얼한 묘사로 인해 눈길을 끄는, 처형의 아로새겨진 '처형' 패널이 그림의 중심이 된다고 볼 수 있지만, 책을 읽듯 사건의 시간 순서대로 왼편 '체포 ' 먼저 하자.

. . . , 해석된다. 않다. 제라르 다비드는 어쨌든 이런 도상을 메디치가 콜렉션의 고대 코르넬리안 인타글리오 intaille cornaline(부조와는 반대 형식으로 얇게 음각한 보석 메달리온. 반지와 같은 보석 장신구에 카메오와 함께 많이 사용됨. AD 2세기 경 유행) 생각된다.

Gérard David (vers 1460

Le Jugement de Cambyse (détail)

말해지지만, 정확히 않다. 타입의 메달리온 높다.

. 형상화이다. . 1484 [도덕화된 오비드] [변형담] . 주문되었다. (다음 편에 계속)


1 &ndash la chaise de peau

À l'ère moderne, si quelqu'un aux yeux du public est effectivement reconnu coupable de corruption, il/elle a de bonnes chances d'échapper à la prison, sans parler de toute forme de punition extrême. Ils devraient être reconnaissants d'avoir vécu dans l'ancienne Perse, sinon ils subiraient le sort horrible de Sisamnes, un juge persan surpris en train de prendre un pot-de-vin et de rendre un verdict injuste.

Malheureusement pour Sisamnes, le roi Cambyse II de Perse de 530 à 522 av. Dans la société persane antique, l'honnêteté était une vertu et considérée comme un trait de la plus haute importance. En effet, se faire prendre dans un mensonge était un crime passible de la peine de mort.

Cambyse II tue le taureau sacré. EON Images

Tout d'abord, Sisamnes a été arrêté et écorché vif. Les peintures assez graphiques de Gérard David en 1498, intitulées ‘Le Jugement de Cambyse,&rsquo dépeignent la fin macabre du juge. Il est attaché à une table et la peau est retirée de son corps par une équipe d'écorcheurs experts sous le regard de Cambyse II. Les historiens ne savent pas si Sisamnes a été écorché vif ou s'il a été égorgé avant le spectacle macabre.

En tout cas, les bourreaux écorchèrent chaque centimètre de la peau du juge et les firent transformer en lanières de cuir. L'étape suivante consistait à les coudre ensemble pour faire une chaise en peau de juge. À partir de ce moment, toute personne nommée au poste de Sisamnes&rsquo devait s'asseoir sur la chaise pour se rappeler ce qui se passerait si elle acceptait des pots-de-vin. Pour couronner le tout, le remplaçant de Sisamnes&rsquo n'était autre que son fils Otanes.


Le Jugement de Cambyse, Gérard David

Gérard David n'a pas peint cette œuvre pour les âmes sensibles. Cette scène terrifiante de l'histoire du roi perse Cambyse nous met en garde contre les conséquences de la corruption dans la justice. L'homme sur la table est Sisamnes. Il était l'un des principaux juges du roi, mais a accepté de recevoir un pot-de-vin.

Sa punition était irréversible. Il a été écorché vif. Son fils devait servir de juge, drapé de la peau écorchée de son père.

Gérard David a peint cette œuvre pour la salle du conseil de la mairie de Bruges. Il rappelle en permanence ce que l'on attendait des échevins et des juges : l'incorruptibilité.


Mythe et Merveille

[캄비세스 재판]은 , 작품이다. ‘정의’라는 비전으로 받은 중요한 작품이다. . 줄 수 장면들이었다.

[캄비세스 재판]은 있다 . 그려져 있다. . . 브뤼헤 시청사 ‘정의의 회랑(로지아, loggia)’에 아버지 시삼네스의 피부가죽을 덮은 의자가 보인다. Otanes .

Gérard David (vers 1460

Le Jugement de Cambyse
1498
Huile sur bois

202 x 172,8 cm
Musée Groeninge, Bruges

[역사]와 동방 기원의 전설과 될만한 정치적 모은 [제스타 로마노룸]이다. [제스타 로마노룸]은 16쇄를 거듭한 책으로서 [플루타르크 영웅전]처럼 , , 아울루스 겔리우스, , , , 등의 판단에 교훈을 주며, . 29번째 , 등장한다.

수수에 대한 경고와 정의의 권장

6세기 . . 이러하다. '누군가 . 운명을 내려다보고 그의 운명이 그대에게 닥치지 않도록 .’ 가혹한 감이 있지만, 뇌물 수수에 대한 경고 및 정치적으로 바른 행위에 대한 교훈을 담은 제작할 당시 브뤼헤에서 널리 읽혔다. 당시까지만 해도 중세의 잔영으로 인해 법이 지나치게 엄격했기 때문에 광장에서의 고문이나 처형은 보기 드문 일이 아니었다.

정의는 중세의 아홉개 미덕 중의 하나이다. 고대 이래 ‘정의 Justice’의 재현에는 정의를 의인화한 유스티치아 Justitiae가 대표적 표상으로 사용되었고, 유럽의 수많은 시청사 앞에 조각되었다. ‘정의’는 저울과 검을 들고 공정을 기하기 위해 눈을 띠로 묶은 모습이다. 정의를 판단하는데 있어 눈이 먼 모습은 의외이지만, 이는 당장 눈에 보이는 표피적 현상으로 사물을 판단하지 않아야 한다는 것을 말한다.

헨드릭 콜치우스를 복제한 야콤 마탐의 동판화 [정의(Justice)]

Sanzio Raffaello ( 1483

Justice (ceiling tondo)
1509-11
Fresco

diameter 180 cm
Stanza della Segnatura, Palazzi Pontifici, Vatican

저울은 균형을 잡는 척도로서 공정함을 나타내고, 검은 날카로운 판단력을 나타낸다. 성서의 재판과 관련된 장면들은 시청사를 장식했던 공공미술로 빈번히 사용되었다. [솔로몬의 판결(한 아이를 두고 진짜 어머니를 가리고자 다투는 여인들)], [수잔나와 장로들], [에스더와 아하수에르스], [빌라도 앞의 그리스도], [최후의 심판] 등은 주로 옳고 그름, 선악을 분별하는 재판이라는 뜻을 담고 공공미술의 주제로 자주 채택되었다.

보통 성당의 서쪽 파사드에 묘사되곤 하던 [최후의 심판]은 심판(재판, 따라서 ‘정의’)을 다루기에, 법정으로도 사용된 유럽 시청사 시 의회실의 공공미술 주제로 자주 사용되었다. 한스 메믈링의 [최후의 심판]은 당시 시 의회실을 장식한 그림이다. [최후의 심판]에는 대개 그리스도가 심판관의 자리에 위치해 있고, 성 미카엘이 죄의 하중을 가늠하는 저울을 들고서 구원받는 자와 죄 받은 악인들을 상하로 나눈다. 보통 교부와 천사들, 복음사가들이 있는 위쪽은 천국이고, 연옥을 지나 저울의 아래쪽은 무덤과 지옥이다. 이런 의미에서 제라르 다비드의 작품인 [최후의 심판]에 등장하는 성 미카엘의 모습 역시 주목할만 하다.

Gerard David (ca. 1460

Altarpiece of St Michael

Oil on wood

Kunsthistorisches Museum, Vienna

Hans Memling ( ca. 1440

Last Judgment Triptych (central)
1467-71
Oil on wood

221 x 160 cm
Muzeum Narodowe, Gdansk

제라르 다비드의 [캄비세스 재판]은 당시 사람들이 ‘정의’에 대해 생각했던 관념인 분배와 보복의 정의 중 구약성서적인 의미에서의 보복, 정의를 다루고 있다. 예컨대 시에나의 팔라쪼 푸블리코에 있는 르네상스 이탈리아의 대표적 공공미술인 프레스코화 암브로시오 로렌체티의 [선한/나쁜 정부의 알레고리 : 선하고 나쁜 정부가 각각 도시와 지방에 미치는 효과]에서도 ‘공정한 정의’의 모습은 ‘분배의 정의’와 ‘보복하는 정의’로 구별되어 묘사되기도 했다.

Effects of Good Government on the City Life (detail)

1338-40
Fresco
Palazzo Pubblico, Siena

분배의 정의와 보복의 정의

‘보복의 정의’라 함은 보통 재판의 결과인 처형과 직결된다. [캄비세스 재판]에서 칼로 껍질을 벗기는 장면 즉, 처형받는 시삼네스의 고통과 얼굴의 찡그림은 놀라울 정도로 사실적으로 묘사되어 있다. 마치 공공장소에서 해부당하는 사람을 구경하듯 충격적이다. ‘칼과 피부의 벗김’이라는 점에서 도상적으로는 아폴로와 마르시아스 및 벗겨진 피부와 연관되며, 피부를 벗기는 칼을 상징 지물로 들고 있는 성 바르톨로뮤의 처형과도 연관성이 있다. 또한 당시에는 일상적으로 벌어진 일이었던 정치범에 대한 스펙터클한 고문과 처형의 관례와도 관련이 있으며, 당시 유럽 각지의 대학에서 처음으로 시도되기 시작한 공개 해부수업도 떠올리게 한다. 그 외 이 작품과 관련지어 재판 및 처형과 관련한 ‘보복의 정의’를 볼 수 있는 중요한 작품으로 네덜란드의 화가 디르크 보우츠의 그림 [황제 오토 III의 재판]을 들 수 있다. [캄비세스 재판]과 마찬가지로 책처럼 펼치게 되어있는 패널 두 개로 이루어진 딥티크 형태인 이 작품 역시 해석이 간단치 않은 작품이므로 다음 기회에 보다 자세히 언급하고자 한다.

(좌) 로흐너 화파 [성 바르톨로뮤의 순교] 약 1450-1500, 패널위에 템페 라, 61x59cm, 피나코테카 바티카나, 로마

(우) 독일 쾰른 시청사의 '정의' 조각상 장식

이와 같은 ‘정의 Justice(‘심판’, ‘재판’이라는 뜻도 있다)’ 장면들이 유럽에서 시청 장식의 관례적 주제로 되풀이된 까닭은 사법 및 행정을 담당하는 관료들이 모범적 예화로 형상화된 작품을 보며 어떤 상황에서도 공정함을 잊지 않도록 고전의 교훈을 항시 되새겨야 한다고 여겼기 때문이다. 제라르 다비드의 [캄비세스 재판]에서는 그 리얼한 묘사로 인해 강하게 눈길을 끄는, 처형의 고통이 아로새겨진 ‘처형’ 패널이 그림의 중심이 된다고 볼 수 있지만, 책을 읽듯 사건의 시간 순서대로 왼편 ‘체포’ 패널을 먼저 살펴보기로 하자.

화면 중심에는 암울한 얼굴로 체포되고 있는 판관 시삼네스가 있다. 그 주위에는 동시대 복장을 입은 인물들이 그를 에워싸고 있다. 체포되는 시삼네스의 위편에는 회색으로 처리된 고부조형의 라운델이 두 개 있다. 그 중 오른쪽 라운델 안의 형상은 아폴로와 마르시아스, 왼쪽은 세레스와 트립톨레무스 혹은 헤라클레스와 데이아네이라로 해석된다. 그러나 정확한 도상이 아니므로 분명치는 않다. 화가 제라르 다비드는 어쨌든 이런 도상을 메디치가 콜렉션의 고대 코르넬리안 인타글리오 cornelian intaglio(부조와는 반대 형식으로 얇게 음각한 보석 메달리온. 반지와 같은 보석 장신구에 카메오와 함께 많이 사용됨. A. D. 2세기 경에 유행) 상감에 기초해서 그려넣었을 것으로 생각된다.

Gerard David (ca. 1460

The Judgment of Cambyses (detail)

이 같은 메디치 코르넬리안 인타글리오 타입의 라운델은 르네상스 시대의 조각가 기베르티에 의한 금세공 세팅을 통해 북구에도 널리 알려져 있었다고 말해지지만, 다비드가 정확히 어떤 버전을 참조했을 것인지는 분명치 않다. 당시 미술품 주문의 관례에 따라 주문자들이 주문할 때 다비드에게 메디치 카메오를 그대로 복제한 같은 타입의 메달리온 혹은 판화를 보여주었을 가능성이 높다.

다비드는 오른편 라운델 안의 아폴로를 특이하게도 여성의 모습으로 변화시켰다. 나무에 묶인 마르시아스는 신에게 거역한 피조물의 반역에 대한 엄격한 처벌의 형상화이다. 여기서는 오만과 위선의 상징이라 볼 수 있다. 이 마르시아스 도상은 브뤼헤 1484년 판본의 [도덕화된 오비드] 혹은 [변형담]에서 왔을 것으로 생각된다. 이처럼 서양 근세의 공적 주문은 정책 담당자인 시 의회 및 정부에 의해 세부사항까지 묘사를 상세하게 지정하는 가운데 주문되었다. (다음 편에 계속)


10 Most Disturbing Pieces of Art

Great art has the potential to inspire all sorts of emotions. The following disturbing pieces of art happen to bring out feelings of dread, horror and complete hopelessness. So why not spare a few minutes as we take a look at the 10 most disturbing pieces of art.

10. Francisco Goya – Saturn Devouring His Son

This piece by Spanish artist Francisco Goya depicts the Greek myth of the Titan Cronus who, fearing being overthrown, promptly devoured each of his children at birth.

Look at that expression. It’s like ‘Why am I doing this? Nom nom nom, it’s just so tasty’. Coincidently that’s the same face everyone pulls when they eat McDonald’s.

9. Patricia Piccinini – Undivided

Piccinini is an Australian artist who works with a variety of media, particularly sculpture. Her work aims to address concerns about biotechnology and mapping the human genome. Her sculptures often depict bizarre creatures with oddly human features. This piece, titled Undivided showcases a humanoid creature with a bladed carapace. It instils a real sense of unease as it clutches to a young human child. Vous pouvez voir qu'il y a d'autres créatures émergeant du dos de la première créature. Il y a juste quelque chose de si malsain dans cette image.

8. Caravage – Judith décapitant Holopherne

Ce tableau macabre du Caravage peint en 1598 représente Judith séduisant et décapitant le général assyrien Holopherne. L'attention portée aux détails augmente l'horreur de la pièce. Et regardez cette vieille dame effrayante, "C'est une bonne chose que je m'apporte un sac de caboche".

7. Théodore Géricault – Pièces anatomiques et têtes d'ampli coupées

Il s'agit d'une série de peintures très macabres du peintre français Théodore Gericault. Au début des années 1800, Gericault a commencé les travaux préparatoires pour l'une de ses œuvres les plus célèbres Radeau de la Méduse en empruntant des morceaux de corps coupés à la morgue de Paris. Il peignait les pièces dans des positions disjointes puis les rangeait sous son lit ou sur le toit de son appartement afin de restituer divers degrés de chair en décomposition pour ses peintures – il voulait obtenir différentes couleurs et textures.

6. Gérard David – Le Jugement de Cambyse

À première vue, ce tableau, représentant l'arrestation du juge persan corrompu Sisamnes, semble plutôt inoffensif jusqu'à ce que vous remarquiez… Oh mon Dieu, que font-ils à sa jambe ?


8) Judith décapitant Holopherne - Le Caravage, vers 1578-1599

Judith décapitant Holopherne est l'interprétation austère du Caravage d'un événement du livre deutérocanonique de Judith. Selon la parabole la veuve Judith sauve son peuple en décapitant le général ennemi. Elle le fait en le charmant, en le saoulant et en le décapitant ensuite dans sa tente. La peinture du Caravage dépeint le meurtre macabre et capture parfaitement les émotions de Judith, une fermeté héroïque mêlée de dégoût.

Judith décapitant Holopherne - Le Caravage


Le Jugement de Cambyse, David - Histoire

(b Oudewater, près de Gouda, c. 1460 Bruges, 13 août 1523).

Peintre néerlandais. Il est connu comme le dernier des ‘primitifs flamands’. Bien que né dans le nord des Pays-Bas, il a déménagé à Bruges dans sa jeunesse, et la plupart de son travail exprime l'approche impassible, sans manières et microscopiquement réaliste propre à l'art du sud des Pays-Bas à l'époque de Jan van Eyck. David était habile à synthétiser l'art de plusieurs prédécesseurs importants des Pays-Bas du sud, en adaptant, par exemple, les compositions de van Eyck et la technique d'Hugo van der Goes. Il est également influencé par Hans Memling, dont l'exemple l'amène à affiner et polir son style plus brut du nord des Pays-Bas et à adopter le thème populaire de la Vierge à l'Enfant intronisé.


Adoration des mages

Alte Pinacothèque, Munich


Adoration des mages

c. 1500
Musées Royaux des Beaux-Arts, Bruxelles

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10 des peintures les plus effrayantes du monde

Halloween approche à grands pas et en l'honneur de ce qui est sans doute la fête la plus effrayante du monde, nous avons pensé jeter un œil à certaines des peintures les plus effrayantes du monde.

Ce que j'aime dans l'art, c'est que je n'ai pas besoin d'être un expert pour l'apprécier - je n'ai qu'à savoir ce que je ressens. L'art peut émouvoir, inspirer, exalter, perturber et même, oui, terrifier. En fait, certaines des peintures les plus effrayantes peuvent terrifier à un niveau beaucoup plus profond que la peur macabre représentée à la surface. Alors, en l'honneur d'Halloween, l'une des fêtes préférées de Musement !, voici un aperçu de dix des peintures les plus effrayantes du monde.

1. Photo de Dorian Gray par Ivan Albright, 1943

L'histoire d'un homme qui vend son âme pour garder sa jeunesse et sa beauté, "The Picture of Dorian Gray" d'Oscar Wilde (l'un de mes livres préférés de tous les temps !) englobe les thèmes de la moralité et du macabre, servant en quelque sorte de un récit édifiant. Gray adopte un style de vie libertin et bien que l'âge et le temps ne modifient jamais son apparence physique, son portrait vieillit et pourrit pour refléter à quel point il devient laid et corrompu à l'intérieur. La peinture "Picture of Dorian Gray" de l'artiste macabre Ivan Albright est en fait apparue dans l'adaptation cinématographique de 1945.
Où : Art Institute of Chicago


Voir la vidéo: La justice de Cambyse