L'histoire du Christ est-elle représentée dans les tapisseries de licorne ?

L'histoire du Christ est-elle représentée dans les tapisseries de licorne ?

Les Tapisseries de la Licorne (connues aussi sous le nom de La chasse à la licorne ) est un ensemble de sept tapisseries conservées aujourd'hui aux Cloisters, à Fort Tryon Park, dans le nord de Manhattan, New York. Incidemment, les Cloisters sont une branche du Metropolitan Museum of Art et le seul musée américain dédié exclusivement à l'art médiéval.

Les Tapisseries de la Licorne sont l'une des œuvres d'art les plus connues et les plus raffinées du Moyen Âge. Outre leur haute qualité, les Tapisseries de la Licorne sont également des œuvres d'art énigmatiques et qui ont suscité de nombreuses discussions, en particulier l'origine et le symbolisme, parmi les chercheurs depuis plus d'un siècle.

Les Tapisseries Licorne se composent de sept tapisseries, chacune mesurant 12 pieds (3,66 mètres) de hauteur et jusqu'à 14 pieds (4,27 mètres) de largeur. L'une des tapisseries, connue sous le nom de La Licorne est capturée par la Vierge a été gravement endommagé dans le passé et survit aujourd'hui en deux fragments. Les six autres tapisseries sont complètes et sont nommées comme suit : Le début de la chasse, La Licorne à la fontaine, La Licorne attaquée, La Licorne se défend, La Licorne est tuée et amenée au château, et La Licorne en captivité .

D'après le nom de l'ensemble de tapisserie dans son ensemble, ainsi que les individuels, il est clair que le sujet de cette œuvre est une chasse à la licorne. Pour les érudits et les historiens de l'art, l'ensemble de tapisserie ne représente pas simplement une chasse, mais est rempli de signification symbolique, dont nous parlerons plus loin dans l'article.

L'Origine de la Licorne Tapisseries

L'histoire des tapisseries est aussi fascinante que son sujet. Sur la base des matériaux utilisés, et des vêtements et façonnés représentés, les tapisseries auraient été produites vers la fin du XVe / début du XVIe siècle, c'est-à-dire entre 1495 et 1505. On suppose également que les tapisseries ont été conçues en Paris mais tissé à Bruxelles.

Une tradition affirme que les tapisseries ont été commandées par Anne de Bretagne pour célébrer son mariage avec Louis XII, roi de France. Malheureusement, aucune documentation sur les tapisseries n'est disponible à partir de cette période, nous ne connaissons donc ni sa commande, ni sa séquence d'accrochage.

La reine Anne en prière, elle a peut-être commandé les Tapisseries de la Licorne en cadeau à son nouveau mari. (Kaho Mitsuki / )

La première documentation que nous avons aujourd'hui des tapisseries de la Licorne date de 1680 et indique qu'elles ont été accrochées dans la maison de François VI, duc de la Rochefoucauld, un noble et écrivain français, à Paris. En 1728, cinq des tapisseries sont transférées au château familial de Verteuil, dans le sud-ouest du département de la Charente, où elles décorent une chambre.

Pendant la Révolution française, les tapisseries ont été pillées, mais ont heureusement été épargnées de la destruction, prétendument parce qu'elles ne présentaient aucun signe de royauté. Apparemment, les paysans qui sont entrés en possession des tapisseries les utilisaient comme couvertures pour les pommes de terre dans leurs granges pour les empêcher de geler, et aussi pour couvrir leurs arbres en espalier.

On suppose que c'est durant cette période que les tapisseries ont été endommagées, notamment celle dite La Licorne est capturée . Dans les années 1850, une comtesse, descendante de la famille de la Rochefoucauld, entreprend de récupérer les objets familiaux perdus pendant la Révolution française.

À une occasion, elle a trouvé de «vieux rideaux» couvrant des légumes dans une grange et s'est rendu compte qu'il s'agissait des tapisseries de licorne de sa famille. Elle les rapporte et en 1856, les tapisseries sont restaurées et accrochées dans le salon du château.

En 1922, les six tapisseries complètes sont envoyées par la famille de la Rochefoucauld à New York pour une exposition. Là, ils ont été vus et achetés par John D. Rockefeller Jr., le fils unique de John D. Rockefeller, un magnat des affaires américain largement considéré comme l'un des Américains les plus riches de l'histoire. Rockefeller Jr. a conservé les Tapisseries de la Licorne dans son appartement jusqu'en 1937, date à laquelle elles ont été données aux Cloisters.

Par ailleurs, les fragments de La Licorne est capturée ont été achetés par Rockefeller Jr. séparément du comte Gabriel de la Rochefoucauld. En 1938, les cloîtres ont été ouverts et les sept pièces des tapisseries de la Licorne ont été exposées dans le musée.

En passant, le cloître est nommé ainsi en raison du fait que le musée a été construit à partir de pièces provenant de cinq abbayes médiévales en France - Saint-Michel-de-Cuxa, Saint-Guilhem-le-Désert, Bonnefont-en- Comminges, Trie-sur-Baïse et Froville. Les pierres de ces abbayes ont été démontées pièce par pièce, expédiées à New York, puis reconstruites et intégrées dans un nouveau bâtiment, c'est-à-dire les Cloîtres.

Que représentent les tapisseries de licorne ?

La première pièce des Tapisseries de la Licorne est connue sous le nom de Le début de la chasse ou Les chasseurs entrent dans les bois . Dans cette tapisserie, on voit un groupe de cinq hommes. Trois des hommes sont debout ensemble, celui du centre étant le seigneur de la chasse, et les deux à côté de lui probablement ses invités.

Les deux autres hommes sont les serviteurs des chasseurs. Il y a aussi une plus petite figure d'un homme à l'arrière-plan, peut-être un éclaireur du groupe de chasse, et des chiens de chasse sont également représentés dans la tapisserie. Les personnages sont placés sur un fond faunique, comme le reste des tapisseries.

La première tapisserie des Tapisseries de la Licorne - Le début de la chasse ou Les chasseurs entrent dans les bois. (L'examen du domaine public / )

Dans le Début de la chasse , tout l'arrière-plan est couvert d'arbres avec des feuilles et des fleurs vert foncé. Les chercheurs ont identifié 101 espèces de plantes dans les Tapisseries de la Licorne, dont 85 se trouvent dans cette première tapisserie. Le feuillage de cette tapisserie sert non seulement un but esthétique, mais aussi symbolique.

À titre d'exemple, la noix est censée être un symbole pour le Christ. La gaine extérieure est censée représenter la chair du Christ, la coquille, la croix sur laquelle il a été crucifié, et le noyau, sa divinité. Alternativement, le noyer peut être considéré comme un signe de durabilité.

Alors que le premier morceau de la Tapisserie de la Licorne présente le chasseur, le second présente le chassé. Cette pièce s'appelle La Licorne à la Fontaine , et est connu alternativement comme La Licorne est retrouvée , et La licorne nettoie le flot de poison avec sa corne . La figure centrale de cette scène est la licorne, un animal mythologique qui peut être décrit comme un cheval avec une seule corne sur le front.

En Europe, la première description de la licorne se trouve dans les écrits de Ctesias, un historien et médecin grec qui a vécu au 5ème siècle avant JC. Dans son Indica (maintenant perdue, mais conservée sous forme d'extraits par d'autres écrivains anciens), Ctesias a écrit qu'en Inde, il y avait « des ânes sauvages aussi gros que des chevaux, voire plus gros ». Le corps de ces animaux était blanc, leur tête rouge foncé, leurs yeux bleuâtres et « avaient une corne sur le front d'environ une coudée de long ».

Ctésias poursuit en décrivant la corne de la créature et sa propriété magique : « La partie inférieure de la corne, à environ deux paumes du front, est assez blanche, le milieu est noir, la partie supérieure, qui se termine en pointe, un rouge très flamboyant. Ceux qui boivent dans des coupes qui en sont faites sont à l'abri des convulsions, de l'épilepsie et même du poison, pourvu qu'avant ou après l'avoir pris ils boivent du vin ou de l'eau ou autre liquide dans ces coupes ».

Dans La Licorne à la Fontaine , la licorne est montrée en train de coller sa corne dans un jet d'eau et peut être une allusion à sa propriété anti-poison de sa corne, comme mentionné par Ctésias. Comme la première tapisserie, diverses plantes peuvent être vues dans celle-ci, et sont liées à la propriété magique de la corne de licorne. Il y a, par exemple, la sauge, dont on pense qu'elle agit contre les poisons, en silhouette contre la fontaine.

Un oranger est également représenté en bas à droite de la tapisserie. On croyait que les graines d'orange dans l'eau chaude et le vin offraient une résistance aux poisons. De plus, il existe divers animaux autour de la licorne, notamment des lions, un cerf, des lapins et des faisans, chacun ayant son propre symbolisme.

La deuxième tapisserie de l'Uni maïs Tapisseries - La Licorne à la Fontaine . (L'examen du domaine public / )

Fait intéressant, ceux qui soutiennent que les Tapisseries de la Licorne ont été commandées pour célébrer un mariage avec des éléments tels que l'oranger et les lapins, tous deux considérés comme des symboles de fertilité. Enfin, on peut voir que la licorne est entourée par les chasseurs.

La troisième pièce de la tapisserie s'intitule La licorne est attaquée ou la licorne saute dans le courant . La chasse est en cours et la licorne saute dans le ruisseau pour tenter d'échapper aux chasseurs. Le grenadier fait une apparition dans cette scène.

D'une part, il pourrait être considéré comme un symbole de fertilité, et d'autre part, un symbole chrétien. Le premier date de l'époque préchrétienne, tandis que le second peut être considéré comme un symbole du Christ, où il faut ouvrir le fruit et regarder à l'intérieur pour comprendre sa souffrance.

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La troisième tapisserie de l'Uni maïs Tapisseries - La licorne est attaquée ou la licorne saute dans le courant . (L'examen du domaine public / )

La tapisserie suivante est connue sous le nom de La Licorne se défend et montre la créature se battant contre ses poursuivants. Un chien de chasse est encorné par la corne de la licorne, tandis qu'un des chasseurs reçoit un coup de pied. De nombreux arbres fruitiers et à noix, notamment des cerisiers, des orangers, des noyers, des fraises et des pêches, sont représentés dans cette scène. Encore une fois, ceux-ci peuvent être interprétés comme des symboles de fertilité, en accord avec l'idée que les tapisseries étaient un cadeau de mariage.

La quatrième tapisserie de l'Uni maïs Tapisseries - La Licorne se défend . (L'examen du domaine public / )

Les dernières pièces des tapisseries de licorne

Les chasseurs n'ont pas pu capturer/tuer la licorne avec la force brute et ont donc eu recours à la ruse. C'est le sujet de la cinquième tapisserie, connue sous le nom de La Licorne est capturée ou La licorne est apprivoisée et trahie par la jeune fille . Malheureusement, cette pièce ne survit que dans deux fragments, qui montrent une jeune fille apprivoisant la créature à l'intérieur d'une clôture couverte de roses.

Dans les fragments, on voit deux chiens de chasse attaquer la licorne et un membre du groupe de chasse est caché dans le feuillage. Une interprétation de cette scène est que le Christ abandonne sa divinité (comme la licorne abandonne sa férocité) pour devenir humain (comme la licorne devient apprivoisée) au moyen de la Vierge Marie (ou de la jeune fille trompeuse dans le cas de la licorne). Bien sûr, le seul petit problème avec cette interprétation est que l'élément de tromperie est absent dans l'histoire du Christ.

La cinquième tapisserie de l'Uni maïs Tapisseries - La Licorne est capturée ou La Licorne est apprivoisée et trahie par la jeune fille . (L'examen du domaine public / )

La sixième tapisserie est connue sous le nom de La Licorne est tuée et amenée au château . La licorne, qui a été la figure centrale des dernières tapisseries, est un peu poussée à bout. Dans le coin supérieur gauche de la tapisserie, le massacre de la licorne est représenté. Fait intéressant, la tapisserie combine deux scènes, car la moitié inférieure montre le cadavre de la licorne présenté au seigneur et à la dame, qui conduisent une foule de personnes devant les portes de leur château.

Le cadavre de la licorne est sans corne, car la précieuse corne a été coupée, et est entre les mains d'un des chasseurs. Vraisemblablement, il serait présenté au seigneur du château. Une fois de plus, la scène est remplie de symbolisme.

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La sixième tapisserie de l'Uni maïs Tapisseries - La Licorne est tuée et amenée au château. (L'examen du domaine public / )

Par exemple, un pigeonnier est vu dans le château, les colombes étant associées à la chasteté et à l'accouplement pour la vie. D'autre part, la colombe a également des associations avec le Saint-Esprit.

La dernière tapisserie s'appelle La Licorne en captivité . Si certains sont d'avis que cette tapisserie ne fait pas partie de la série, mais réalisée séparément (les dimensions de cette pièce, par exemple, sont assez différentes des autres), d'autres sont d'avis qu'il s'agit de la conclusion de la licorne chasser.

Dans cette scène, une licorne vivante est représentée enchaînée à un arbre et entourée d'une clôture. De plus, il y a une tache rouge sur le flanc de l'animal. Une interprétation est que c'est du sang.

La septième tapisserie de l'Uni maïs Tapisseries - La Licorne en captivité. (L'examen du domaine public / )

D'un autre côté, il a été affirmé qu'il s'agissait de jus de grenade, car il n'y a pas de blessures visibles comme celles représentées dans les scènes de chasse. Si cette tapisserie a été créée séparément, la licorne qu'elle contient pourrait ne pas être la même que celle qui a été chassée et tuée. D'un autre côté, si l'on acceptait qu'il s'agisse de la dernière tapisserie de l'ensemble, elle pourrait alors être interprétée comme une scène de résurrection et établir des parallèles avec la Résurrection du Christ.

Pour conclure, les Tapisseries de la Licorne sont un exemple spectaculaire d'art médiéval, non seulement pour sa fabrication, mais aussi pour le mystère qui l'entoure. Il est évident que cette œuvre d'art peut être interprétée de diverses manières, ce qui a contribué à l'intérêt des générations qui l'entourent.


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Le film culte de Ridley Scott Légende aura 35 ans cette semaine. Il commence par un écran noir alors que le texte rouge défile, préparant le terrain pour l'action. Il nous dit qu'il était une fois seulement les ténèbres, suivies d'une lumière qui apportait l'amour au monde et chassait les ténèbres. Les licornes gardent cette lumière en sécurité. Seuls les mortels les plus purs peuvent trouver les licornes, comme Jack (Tom Cruise) un jeune homme vert de la forêt. Quand il les partage avec sa chérie, l'adolescente impétueuse Lily (Mia Sara), tout l'enfer se déchaîne. Vous voyez, le seigneur des ténèbres (Tim Curry) envoie des hommes de main gobelins pour la suivre. Leur mission est de tuer les dernières licornes restantes. S'ils réussissent, les Ténèbres régneront à nouveau sur le pays. De cette lutte naît un équilibre entre la lumière et l'obscurité. Comme la carte de titre nous l'indique, c'est à ce moment-là que les légendes naissent.

Quelques années plus tôt, le vénérable duo d'animation Arthur Rankin Jr. et Jules Bass a tourné le roman de Peter S. Beagle en 1968. La dernière licorne dans un long métrage d'animation. Les deux histoires partagent plusieurs points communs. Dans La dernière licorne, la licorne titulaire (Mia Farrow) entend des chasseurs dans sa forêt proclamer qu'elle doit être la dernière de son espèce. Un papillon chantant l'informe que le Red Bull du roi Haggard (Christopher Lee) a rassemblé toutes les licornes il y a longtemps. Et c'est ainsi qu'elle part à leur recherche. En cours de route, la magie la transforme en une humaine, connue sous le nom de Lady Amalthea. Schmendrick le magicien (Alan Arkin), Molly Grue (Tammy Grimes) et le prince Lír (Jeff Bridges) l'aident.

Mais d'où viennent ces histoires et pourquoi sont-elles si similaires ?

Certains des premiers mythes sur les licornes viennent de la vallée de l'Indus et de l'ancienne Perse. Ces histoires se sont retrouvées dans les écrits des historiens de la période hellénique de la Grèce antique, puis dans les traductions de textes bibliques. Bien que presque toujours décrites comme ressemblant à des chevaux, d'autres descriptions incluent des attributs similaires à ceux d'un sanglier ou ayant le corps d'une chèvre avec les pieds d'un éléphant. En fait, les érudits postulent que les licornes qui apparaissent dans la Bible sont probablement des erreurs de traduction, l'animal décrit était probablement un bœuf.

Alors que dans Légende les licornes prennent la part typique d'un cheval blanc, dans son roman Peter S. Beagle décrit sa licorne comme "rien comme un cheval à cornes, car les licornes sont souvent des images, étant plus petites et à sabots fourchus, et possédant cette tombe la plus ancienne et la plus large que les chevaux n'ont jamais eu, que dee n'ont que dans un timide, puis l'imitation et les chèvres dans la moquerie de danse.

Indépendamment de ces descriptions incohérentes, une chose demeure : les licornes représentent l'innocence, la pureté et la nouveauté. Au moyen-âge, ils se sont retrouvés mêlés à une iconographie religieuse représentant l'Incarnation du Christ et celle de sa mère la Vierge Marie. Probablement, ce qui s'est passé, c'est que l'église primitive a mélangé ses croyances avec des mythes païens comme celui trouvé dans le Physiologue, un livre latin écrit vers le IIe siècle de notre ère. Nous y apprenons que les gens ne peuvent attraper une licorne que lorsqu'elle pose la tête sur les genoux d'une vierge.

Cela s'est poursuivi jusqu'à la fin de la période médiévale où nous avons commencé à voir des licornes représentées dans des tapisseries. Les plus célèbres aujourd'hui comprennent La Dame à la licorne, une série de six tapisseries réalisées en Flandre vers 1500. Chacune représente une dame avec une licorne à sa gauche et un lion à sa droite et représente les cinq sens, plus un qui, selon les érudits, représente l'amour courtois.

Peut-être le plus grand mélange de mythologie païenne et chrétienne sont les tapisseries de Verteuil, également connues sous le nom de La chasse à la licorne, probablement fabriqué en Belgique vers 1500-1510. Ce sont sept tapisseries qui représentent des nobles alors qu'ils chassent et capturent une licorne. Certains ont soutenu que l'histoire de ces tapisseries représente la Passion du Christ, qui est le court laps de temps entre son retour à Jérusalem, son procès, sa crucifixion et sa résurrection éventuelle. Les lecteurs curieux peuvent en fait vérifier ces tapisseries par eux-mêmes au Met Cloisters à New York.

Les deux Légende et La dernière licorne puiser dans cette mythologie et l'imagerie de ces tapisseries. Alors que Jack amène Lily à voir les licornes près d'un ruisseau caché, il lui dit "Tant qu'elles errent sur la terre, le mal ne pourra jamais nuire aux cœurs purs." Lily quitte Jack pour observer de près ces créatures éthérées. Alors qu'elle tend la main pour toucher l'étalon licorne, le réalisateur Ridley Scott l'encadre comme dans le La Dame à la licorne, avec la licorne à sa droite. C'est à ce moment que les gobelins tirent sur la créature avec une fléchette, la paralysant afin qu'ils puissent lui retirer sa corne. Il existe une longue histoire de broyage des cornes de licorne en poudre de licorne. Soi-disant cette poudre avait des fins médicinales. Vendue comme médicament jusque dans les années 1740, la poudre d'alicorne était probablement constituée de défenses de narval broyées.

La Dame et la Licorne, À mon seul désir, cir. 1500

Après que la licorne titulaire apprenne qu'elle est la dernière, La dernière licorne coupe à sa séquence de crédits d'ouverture. Cela soulève des images directement de La chasse à la licorne, dans ses lions de style médiéval et ses fontaines enchantées. contrairement à Légende, cependant, c'est la licorne qui se sauvera, bien qu'avec l'aide des mortels. De plus, contrairement au seigneur des ténèbres, le roi Haggard ne veut pas faire entrer les ténèbres dans le monde en détruisant toutes les licornes. Il veut leur pureté et leur beauté pour lui seul.

Comme les tapisseries dont ils s'inspirent tous les deux, Légende et La dernière licorne affrontez les épreuves et les tribulations de l'amour courtois et des amants séduits. Le drame teste Lily et Jack alors que le Seigneur des Ténèbres profite de ce même amour. Lady Amalthea commence à perdre sa vraie personnalité alors qu'elle tombe amoureuse du prince Lír. Nous savons qu'un sacrifice est la seule issue probable pour nos couples maudits.

Les deux films remettent également en question l'idée que les licornes ne soient en sécurité que parmi les femmes vierges. Dans Légende, Jack est le gardien de la forêt des licornes. C'est aussi un homme vert. Ces personnages remontent également à l'Irak, à l'Inde et même à Bornéo, avec leurs légendes qui se sont frayées un chemin jusqu'en Europe tout au long du Moyen Âge et de la Renaissance. Les figures de l'homme vert apparaissent souvent dans les églises chrétiennes, malgré leurs racines païennes. Avant qu'il ne l'emmène voir la licorne que Jack et Lily s'embrassent dans un champ. Une coupure brutale indique qu'ils ont peut-être fait plus que simplement s'embrasser.

Dans La dernière licorne, en voyant pour la première fois la licorne, Molly Grue déplore qu'elle aurait dû venir vers elle quand elle était jeune et nouvelle et que "ce serait la dernière licorne" qui viendrait à elle. Bien qu'ils ne soient pas purs au sens sexuel, ces personnages sont purs de cœur. Ils aident à équilibrer le mal sous la forme de maman Fortuna, du roi Haggard et du seigneur des ténèbres.

Bien que la version théâtrale se termine avec les amants réunis courant au soleil, dans la coupe du réalisateur de Légende, Lily et Jack se séparent lorsqu'ils réalisent qu'ils sont trop différents. Dans La dernière licorne, Lady Amalthea doit retrouver sa forme de licorne afin de libérer son peuple et vaincre le Red Bull. Cela signifie bien sûr quitter le prince Lír. Il vivra à travers sa mémoire, alors qu'elle a appris à regretter. Tout le monde est changé à jamais.

Comme les tapisseries qui entremêlaient les mythologies païennes et chrétiennes, ces deux films subvertissent les tropes médiévaux sur la sexualité et la pureté avec de nouvelles perspectives sur ce que signifie vraiment avoir le cœur pur.


Les six tapisseries et les deux fragments qui composent Les Tapisseries de la Licorne sont souvent considérés comme les plus beaux du monde. Aujourd'hui, vous pouvez trouver des répliques sur des oreillers et des décorations murales de dortoirs. Alors que les originaux résident ensemble au @met&rsquos Cloisters à New York, leur histoire et leur sujet sont toujours enveloppés de mystère.

Les descriptions des licornes vont au-delà des chevaux à cornes d'un blanc étincelant de nos esprits modernes et leurs origines remontent plus loin que l'Europe médiévale. Les licornes ont été illustrées dans la Grèce antique, l'ancienne civilisation sud-asiatique de la vallée de l'Indus et dans la Bible.

Les apparences varient, mais en plus de sa corne singulière, une licorne présente généralement un manteau blanc pur, une barbe de chèvre et une queue de lion, de sanglier, de chèvre ou de cheval. Sa corne, cependant, était l'élément utilisé pour prouver l'existence de la créature mythique. Les cornes de narval ont fait un excellent travail pour convaincre les gens que les licornes étaient réelles. Les cornes broyées étaient vendues pour leurs supposées propriétés médicinales.

Créées à la fin du XVe siècle, les tapisseries en soie, argent et fil doré racontent l'histoire de chasseurs à la poursuite d'une licorne. Situé dans un paysage français idyllique, la licorne se trouve à une fontaine parmi d'autres animaux. Et tandis que la licorne est tuée ensuite, le panneau final, qui est le plus emblématique de la série, montre la licorne ressuscitée, apparemment en confinement de contenu.

Le deuxième panneau fait allusion à la nature curative de la corne en représentant la licorne rendant l'eau de la fontaine potable pour les humains. Alors que la plupart des panneaux peuvent être considérés comme laïques, le cinquième montre une vierge apprivoisant la licorne avant son abattage, faisant un clin d'œil aux thèmes du christianisme. 101 espèces végétales s'entrelacent entre les œuvres. Ils comprennent le chêne, le noyer, le cerisier, la prune et la grenade. La dernière tapisserie de la série met en scène un arbre derrière la licorne en captivité. Bien que l'arbre soit imaginatif, le fruit à graines rouges qu'il porte l'a qualifié de grenadier. Les grenades symbolisaient souvent la fertilité et le mariage, mais les taches rouges de la peau blanche de la licorne relient la créature au Christ.

On pense que les tapisseries ont été conçues en France, mais tissées à Bruxelles. Bien qu'ils aient été fabriqués probablement près de 200 ans auparavant, le premier enregistrement les place tous les sept dans la famille de Fanédilois VI de La Rochefoucauld, un noble et écrivain.

Pendant la Révolution française, le cinquième panneau a été endommagé. Les six qui sont restés intacts ont été envoyés à New York pour une exposition dans les années 1920. John D. Rockefeller les a ensuite achetés et les a donnés au MET Cloisters en 1937, le panneau fragmenté se joignant un an plus tard.

Dans chaque tapisserie se trouvent les lettres AE intégrées dans leur conception. Bien que ces lettres puissent être la première et la dernière lettre d'un artiste, elles pourraient également représenter Adam et Eve. Une autre théorie prétend qu'ils font référence à Anne de Bretagne, mécène des arts et épouse du roi de France Louis XII. Et encore un autre relie les initiales aux Rochefoucauld, plus précisément Antoinette d'Ambroise, l'épouse du deuxième fils des François&rsquos.

Les tapisseries techniquement impressionnantes ont probablement pris au moins des mois, voire quelques années chacune. Un atelier vénéré a produit un travail qui a coûté plus cher qu'un château, rendant l'art qui ornait vos murs plus révélateur de votre statut que les murs eux-mêmes.

Les archivistes s'efforcent toujours de percer les mystères des œuvres d'art tissées magiques. Que pensez-vous qu'ils signifient? A votre avis, quel goût aurait-il ?


Licorne

Nos rédacteurs examineront ce que vous avez soumis et détermineront s'il faut réviser l'article.

Licorne, animal mythologique ressemblant à un cheval ou à une chèvre avec une seule corne sur le front. La licorne est apparue dans les premières œuvres d'art mésopotamiennes, et elle a également été mentionnée dans les mythes antiques de l'Inde et de la Chine. La première description dans la littérature grecque d'un monocorne (grec monoker, Latin licorne) animal a été par l'historien Ctesias (vers 400 avant JC), qui a rapporté que l'âne sauvage indien était de la taille d'un cheval, avec un corps blanc, une tête violette et des yeux bleus, et sur son front se trouvait une corne longue d'une coudée de couleur rouge à l'extrémité pointue, noire au milieu et blanche à la base. Ceux qui buvaient dans sa corne étaient censés être protégés des troubles gastriques, de l'épilepsie et du poison. C'était très léger et difficile à capturer. Le véritable animal derrière la description de Ctesias était probablement le rhinocéros indien.

Certains passages poétiques de la Bible font référence à un animal à cornes puissant et magnifique appelé remémorer. Ce mot a été traduit par « licorne » ou « rhinocéros » dans de nombreuses versions de la Bible, mais de nombreuses traductions modernes préfèrent « bœuf sauvage » (aurochs), qui est le sens correct de l'hébreu remémorer. En tant qu'animal biblique, la licorne a été interprétée de manière allégorique dans l'église chrétienne primitive. L'une des premières interprétations de ce type apparaît dans l'ancien bestiaire grec connu sous le nom de Physiologue, qui stipule que la licorne est un animal fort et féroce qui ne peut être attrapé que si une jeune fille vierge est placée devant elle. La licorne saute sur les genoux de la vierge, elle la tète et la conduit au palais du roi. Les écrivains médiévaux ont ainsi comparé la licorne au Christ, qui a élevé une corne de salut pour l'humanité et a habité dans le sein de la Vierge Marie. D'autres légendes racontent le combat de la licorne avec l'éléphant, qu'elle finit par tuer avec sa corne, et la purification par la licorne des eaux empoisonnées avec sa corne afin que d'autres animaux puissent boire.

Les tasses réputées en corne de licorne, mais en réalité en corne de rhinocéros ou en défense de narval, étaient très appréciées des personnages importants au Moyen Âge comme protection contre les boissons empoisonnées. De nombreuses belles représentations de la chasse à la licorne subsistent dans l'art médiéval, non seulement en Europe mais aussi dans le monde islamique et en Chine.


Tapisseries de licorne au cloître

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Composées de sept tentures murales, chacune d'au moins 12 pieds de haut sur huit pieds de large, les Tapisseries de la Licorne du Cloître ont été créées il y a 500 ans par un artiste inconnu pour une royauté inconnue en Europe occidentale.

Dans des détails violents et troublants, la série raconte l'histoire de chasseurs qui parcourent les bois avec leurs chiens, chassant la bête mythique. Au fur et à mesure que l'histoire progresse, la licorne est trouvée et encerclée, prise en embuscade et finalement attaquée de tous les côtés. Bien qu'elle s'éloigne des chasseurs, la licorne est finalement calmée par une jeune fille vierge et tuée sous son charme.

Les érudits qui ont étudié les tapisseries les datent de 1495-1505. Le design ressemble à l'esthétique parisienne de l'époque, mais il était probable que les tapisseries aient été produites à Bruxelles (bien que même ces détails soient contestés). Malgré une situation géographique générale, l'identité de l'auteur est totalement inconnue. Le seul lien des tapisseries avec le passé est un petit chiffre, montrant les lettres A et E entrelacées par une corde, qui peut signifier l'artiste ou le propriétaire de l'œuvre.

A partir de ce léger indice, certains ont imaginé qu'Anne de Bretagne avait commandé les œuvres pour célébrer son mariage avec Louis XII, mais il n'y a aucune preuve concluante. Malgré le mystère, les historiens de l'art se sont délectés de la chance de déchiffrer les tapisseries, comparant souvent la chasse à la licorne à la persécution du Christ. La licorne elle-même, autrefois un symbole païen, est devenue un symbole du Christ.

Toutes les tapisseries vibrantes sont disponibles pour une interprétation personnelle et sont conservées dans le Met's Cloisters dans le haut de Manhattan. Dans la même pièce, une défense de narval est exposée. Les Européens médiévaux confondaient souvent leurs défenses avec la preuve de la bête mythique.


L'histoire du Christ est-elle représentée dans les tapisseries de licorne ?

Les Tapisseries de la Licorne (connues aussi sous le nom de La chasse à la licorne) est un ensemble de sept tapisseries conservées aujourd'hui aux Cloisters, à Fort Tryon Park, dans le nord de Manhattan, New York. Incidemment, les Cloisters sont une branche du Metropolitan Museum of Art et le seul musée d'Amérique consacré exclusivement à l'art médiéval.

Les Tapisseries de la Licorne sont l'une des œuvres d'art les plus connues et les plus raffinées du Moyen Âge. Outre leur haute qualité, les Tapisseries de la Licorne sont également des œuvres d'art énigmatiques et qui ont suscité de nombreuses discussions, en particulier l'origine et le symbolisme, parmi les chercheurs depuis plus d'un siècle.

Les Tapisseries Licorne se composent de sept tapisseries, chacune mesurant 12 pieds (3,66 mètres) de hauteur et jusqu'à 14 pieds (4,27 mètres) de largeur. L'une des tapisseries, connue sous le nom de La Licorne est capturée par la Vierge a été gravement endommagé dans le passé et survit aujourd'hui en deux fragments. Les six autres tapisseries sont complètes et sont nommées comme suit : Le début de la chasse, La Licorne à la fontaine, La Licorne attaquée, La Licorne se défend, La Licorne est tuée et amenée au château, et La Licorne en captivité.

D'après le nom de l'ensemble de tapisseries dans son ensemble, ainsi que les individuels, il est clair que le sujet de cette œuvre est une chasse à la licorne. Pour les érudits et les historiens de l'art, l'ensemble de tapisserie ne représente pas simplement une chasse, mais est rempli de signification symbolique, dont nous parlerons plus loin dans l'article.


La jeune fille, la licorne et le transfert symbolique

Les liens anciens de la jeune fille et de la licorne (comme discuté dans le post précédent « Qui est-elle ? La Dame et la Licorne » ? 8221 série de tapisserie. L'équilibre entre le sauvage et le domestique, associé à l'attrait doux de la charmante jeune fille, jouent tous leur rôle traditionnel dans l'histoire.

Mais la montée de l'allégorie médiévale a ajouté une tournure intéressante à la signification de la licorne, qui peut obscurcir les rôles originaux. L'allégorie est l'utilisation d'images symboliquement riches représentant des idées. This is especially useful in an age of low literacy rates. Complicated social ideas can be conveyed, using allegory, in a single image/scene. But this only works if the viewers have their own internal “magic decoder ring” and know what is being presented in the image.

For instance, in the tapestry presented right (roughly contemporary to the Unicorn Tapestries), the three fates are spinning thread together using a distaff and drop spindle. Showing three women of different ages spinning together would, for the medieval viewer, instantly brought to mind the three fates (which as shown here also clearly mimics the triple-phase goddess of maiden, mother, and crone). Just in case there’s confusion, these ladies also have their names in Latin written near their heads.

But below them lays another lady prostrate. In fact, they are stepping on her. The representation of stepping on someone (or running them over with a cart) in medieval and Renaissance art meant conquest. Here, we know this defeated lady by her broken staff of lilies as “Chastity.” This piece would likely have been labeled “The fates conquer chastity” or “Chastity is conquered by fate.”

Having concepts like virginity, death, or love represented as people is an anthropomorphising of the forces at work in human lives. There are several notable works of art (including tapestry) from this historic period showing a series of processions, including “Love Triumphs” (people getting squished), followed by “Chastity Triumphs over Love” (Cupid gets squished), then “Death Triumphs over Chastity” (lady chastity gets squished), then “Fame Triumphs over Death” (grim reaper character is squished), then “Time Triumphs over Fame” (winged hornblower gets squished), then “Eternity Triumphs over Time” (and everyone but Christ is under the wagon wheels). Whenever Chastity is shown, she carries her lilies (or a palm branch) atop her adorned cart, aided by a procession of demure maidens as escorts. Now and then, young men are present too. Shown here, Chastity’s conquest includes a bound cupid (Eros). Pulling her sumptuous wagon are a pair of unicorns, harnessed to their yokes like horses.

The association of having unicorns pull the human icon representing Chastity draws from the older Lady and Unicorn mythos, but here is where an important symbolic transference happens. While the unicorn had once been the symbol of the mystique of the wild, tamed by the hands of the virgin maid, now the unicorn is imparted with the maiden’s own symbolism. Do any quick search on the meaning of unicorns in art and “chastity” arises as one of the top hits. I find this particularly interesting, since the single, erect horn of the unicorn is also widely considered a strong phallic symbol. How can these two meanings live in one animals?

Perhaps a culturally important note to consider is the role of chastity in late medieval/early Renaissance society. There is the obvious case in point of women remaining virgin until marriage (which, for the high-born was most often an arranged affair built on family alliances and land deals…more like a business transaction). Young ladies were felt to be fully adult at age 12, which was also the legal marrying age for girls (boys having to wait until they were 14). It was believed that a woman’s best child-bearing years were in their teens, which reflects the general state of health and nutrition in the age.

Alternately, marriage prospects for a woman who had become pregnant out of wedlock were especially bleak–unless she happened to be a powerful and influential mistress to a nobleman. But her situation was still rocky at best and her children without the inheritance of their “legitimate” half-siblings. Many a discontented or back-stabbing turn in Western history finds it seeds in illegitimacy. No wonder chastity was considered the best option for unmarried women!

The other aspect to consider was the great wealth and social prominence of monastic orders at this time (including in England, where the dissolution of the monasteries had not yet been enacted). Noble families were often expected to bequeath a child to a monastic order and with her (or him) gifts of land and/or money for the child’s keeping. For girls going to convents, this would include their dowry as they were viewed as being “married” to Christ. Life in a monastery was strictly chase, in keeping with the contemporary ascetic traditions, but not without its politics. Daughters of earls and barons often rose to the ranks of abbess (and likewise for the men in their orders). These women in the nunneries were considered important emissaries between the family and God’s holiness–keeping the lay members of the clan in good spiritual standing. The nun or monk in the family served, through purity and devotion to spiritual matters, to maintain that fragile balance between the carnal and the eternal.

So what are we to make of the unicorn–one part chastity and one part virility? Is this paradox a historical anomaly? In a world steeped in allegory, how does one animal hold both, or is this part of the great mystery and lure of the unicorn? Is the symbolism of the unicorn as representing chastity a transference from the virgin maid herself in the rose garden with the unicorn upon her lap, or is it integral to the beast? In the Unicorn Tapestries, we see this chimera as both fierce and gentle, warlike and demure, so perhaps it intrinsically holds the capability of duality in unity (part of what makes a chimera a chimera–two things put together).

It is, then, perhaps not surprising that as the unicorn also became an animistic symbol of Christ in medieval art that the maiden became linked with the Virgin Mary, who holds the dualist role of both maiden and mother. Over time, these overlays of narrative, symbolism, allegorical use, and interpretation have crafted the complex weave of the story represented by the lady and the unicorn–a story integral to understanding the Unicorn Tapestries.


Is the Story of Christ Portrayed in the Unicorn Tapestries? - Histoire

MEDIEVAL ART:
THE UNICORN TAPESTRIES

THE METROPOLITAN MUSEUM OF ART consists of various New York museum sites, the most relevant for us being THE CLOISTERS. Housed here are THE UNICORN TAPESTRIES, the set of seven depicting the hunt of the unicorn. These tapestries and the set at the Cluny were designed and woven about 1500 (

1490-1505) -- a determination based on the materials used and the clothes and fashion depicted.

1) The Start of the Hunt (12'1" x 10'4")
This looks like the start of a regular stag hunt. The Seigneur of the hunt is the center of three men the others are probably his guests. They're not dressed for hunting, nor riding horses, but they're obviously rich.

The greyhounds are in front: they chase by sight. The running hounds are in back: they chase by scent. The keeper of the hounds carries a horn. Grooms, pages, and other assistants would also attend. A scout signals hunters from behind walnut tree that the quarry has been sighted. He is one of the lymerers whose job is to go first in quest of game and bring fewmets (droppings).

Over 100 plants are accurately depicted among these seven tapestries, but from all different seasons. In the first and last tapestries the entire background is covered.Here, note the central tree (which appears in the first, third, fourth, and seventh tapestries). Here the cherry is above the feather with the AE. To the right of E is an English Daisy (which Chaucer immortalized), a strawberry, and a sweet violet below (signifying humility). The walnut is a symbol for Christ: the outer sheath = Christ's flesh, the shell = the cross on which the flesh suffered, the kernel = the hidden divinity. The walnut also signifies durability.

Tradition has it that this set of tapestries was woven to celebrate a marriage ceremony. Does that explain the A and E? What about the F and R (in the third tapestry)? We don't know. Probably a couple feet of materials has been lost from the tops: if these spaces originally contained a band of inscriptions, the became worn and illegible and so replaced with the skies perhaps.

(12'1" x 12'5")
Serpents pollute waters with their poison (of sin), so we need unicorns for ecological purposes. Their horns were thought to be medicinally useful against poisons, so here the stream will be made safe and all the animals will be able to drink after the purification. The hunters must wait to give chase in this sport. In the Middle Ages and beyond, narwhal tusks were actually used as unicorn relics and sold for several times their weight in gold. According to Hildegard of Bingen, powdered unicorn liver mixed with egg yolks cures leprosy, and a belt made of unicorn hide and worn around the waist preserves one from pestilence and fevers.

Familiar animals appear sufficiently lifelike others are less convincing. According to medieval bestiaries, lion cubs are born dead but resurrected by the lion parent with licking. The leopard or panther is associated with the coat of Joseph and is loved by all creatures except dragons. Its many colors also signify the many attractions of the beloved. The genet (weasel) to the right is known to hunt mice, snakes, and basilisks. (Weasels, stags, panthers, and unicorns are the enemies of serpents.) This weasel looks at the hyena: a dirty brute. The hyena imitates the voice of the shepherd to bring men and dogs at night to ruin, and it hangs out in sepulchres. Dogs = fidelity. Rabbits = fertility (heirs, if this is a marriage tapestry). The nightingale above the fountain at left = love, spring. The pheasant appears with its mate "only in times of love." It looks into the fountain, reminiscent of the narcissistic center in the garden of love in La Roman de la Rose.

Sage appears in silhouette against the fountain and also functions against poisons. In the lower right is a orange, associated with fertility and the exotic. Orange seeds in hot water and wine also resists poisons.

European goldfinches (bottom left of fountain) feed on seeds of thorns and thistles and so are associated with the crown of thorns, the passion, and redemption. Another finch appear left on the medlar, a thorny tree like the rose. The sixth tapestry has two finches in a spiny hawthorn behind the dead unicorn.) These birds were often kept as pets.

A yokel carries a spear. The lymerer, with the lymer (hound), has stubble because he was up before dawn and didn't shave today.

Perhaps originally the skies contained text (vs. wasted space or coats-of-arms). This would wear out and not be worth repairing when the restoration was done.

3) The Unicorn Leaps into the Stream

(12'1" x 14')
The hunt is underway, the dogs unleashed, spears thrust. The unicorn leaps into a stream to elude the hunters. The baying of the dogs is one of the joys of the hunt, supposedly. Three dogs here pursue by water, one reluctantly. AE shows up on the dog collars. Is this a secret motto? The betrotheds' initials? The FR was not part of the original tapestry but cut out and applied here to the added sky areas.

The oak in center signifies fidelity, steadfastness. A field daisy (marguerite) appears between the ducks.

The partridge is a thief (a devil?). It steals others' eggs and hatches them, like Satan and the baptized. It was also thought to be so fertile that if the wind blows towards a female partridge from a male she becomes pregnant.

A hawthorn brushes against the unicorn's torso. The crown of thorns was made of hawthorn, and it also shows up in the sixth tapestry near the dead unicorn. The hawthorn also suggested love potency.

The pomegranate tree has many seeds under one rind, and so signifies the Church and generic plenitude. It also suggests Christ: you must open and look at the interior, penetrate to the inner suffering of the Redeemer to see the blood flowing for mankind. Older associations include fertility. The pomegranate is realistic here, vs. the stylized version in the seventh tapestry later.

4) The Unicorn Defends Himself

(12'1" x 13'2")
The unicorn, in the same position as when it was dipping its horn, here gores a dog and kicks at a hunter. Through presumed oversight of the designer or weaver, the unicorn has no ears here. The scene is of a stag hunt only the unicorn could escape this. The seignour's favorite hound is restrained. One dog's collar is inscribed "Ofancre."

That a hunter = Gabriel may be a standard if strained interpretation but here one hunter does have inscription on scabbard of sword: "Ave Regina C[oelorum]" = "Hail Queen of the Heavens." Who are the other hunters though? Enemy pursuers of Christ?

We see a distant castle and an area of the presumably original sky vs. the added or redone skies.

Lots of fruit and nut trees appear: orange, walnut, strawberry, apricot, plum, cherry, peach (at low right) = fertility and aphrodisiacs.

The heron is a noble bird. It supposedly fears rainstorms, so the bird is a sign of bad weather. The heron is also known for it lofty flight, which is associated with the souls of the elect, flying to the serenity of heaven. The bird certainly looks serene here.

5) The Unicorn is Tamed and Betrayed by the Maiden

(two fragments: 68+" x 25+" 76+" x 26")
Later accounts claim that because these tapestries did not show signs of royalty, they were spared during from the destructive looting of the Revolution. The next generation of peasants used them "to protect from freezing the potatoes in their barns and also to cover their espalier trees." A later descendent, a countess in 1850s, involved herself in collecting her family's lost stuff and found on a tip some "old curtains" covering vegetables in a barn. It turned out to be the tapestries, and so there is the damage to this fifth one John D. Rockefeller, Jr. bought them in the early 20th century and starting in 1949 had them on museum display.

Here the hunters have given up the direct attack and have resorted to a ruse. Within a rose-covered fence, the maiden "tames" the unicorn, while giving the signal to the huntsman. Hildegard von Bingen said several maidens are better than one in capturing unicorns, but this one will do. She is not just attractive (in the standard medieval ways), but flirtatious, supple, and seductive.

Allegorically, as the unicorn surrenders his fierceness and becomes tame by means of a maiden, so Christ surrendered his divine nature and became human by means of the Virgin Mary (not counting the trickery in the unicorn story). Roses = Mary (white purity / red suffering) but love too. The association was condemned early on in Christianity because of pagan associations, but that didn't last. Eve was associated with the thorn, Mary with the flower. The apple tree has obvious associations here.

Holly = Christ's thorn, with prickly leaves but bright berries (associated with the Christmas nativity).

6) The Unicorn is Killed and Brought to the Castle

(12'1" x 12'9")
Game would have been dismembered where slain, but the corpse here is brought to the lord and lady. A man grasps the horn and points towards them.

Hawthorn and holly = the crown of thorns. The corpse is garlanded with a wreath of oak leaves that have grown unnaturally on thorny branches: oak = the constancy of the lover the wreath = the crown of thorns.

A swan winds necks with its mate in the moat. We see a dove-cot in the castle that's part of castle life, but the dove is also associated with chastity or with mating for life. It also has associations with the Holy Spirit.

Two goldfinches appear in the spiny hawthorn behind the dead unicorn. They feed on seeds of thorns and thistles, and so are associated with the crown of thorns, passion, and redemption.

Other people are gossiping, even plotting, including a woman in red with tentacle-like curling fingers.

The hazelnut tree is entwined by a blackberry vine, noticeable because of its size and the nearby squirrel. The blackberry was considered to have been the burning bush of Moses, and so it prefigured Mary because of its not being consumed.

7) The Unicorn in Captivity

(12'1" x 8'3")
The unicorn is alive again, chained and entrapped, but seemingly content in its paradise garden. It appears to be bleeding from the hunt wounds but actually those are pomegranate seeds and dripping juices from the stylized tree.

The butterfly over the carnation in front signifies resurrection and love, but earthly love. Two dragonflies zip around. There's a Madonna lily with a dragonfly at it these were popular in gardens and quite fragrant, and they also represent the sweetness of love. Madonna lilies are white, for purity, and gold within = Christ.

A frog is subtly included in the bottom right corner above the crest. Its croak is its love serenade for mating. A bone from its left side was considered an aphrodisiac. The frog is the enemy of water-snakes. Hildegard and others said that frogs were anti-toxins and could cure poisoning: strangle a frog over a poisoned body, place the dying frog on a bandage for an hour the victim is safe for a year and a half.

[A different but famous set of tapestries called THE LADY AND THE UNICORN depicts the five senses and is housed at the Cluny Museum in Paris.]


Also known as “The Hunt of the Unicorn,” the Unicorn tapestries are not only the most treasured artworks in permanent display at the Cloisters (the Upper Manhattan home for the Metropolitan Museum of Art’s Medieval Collection) these seven magnificent tapestries, in the words of Tiffany Jow, “are widely considered to be among the greatest artworks in existence.” But that doesn’t mean these masterpieces, woven from wool and silk threads covered in gold and silver, are not themselves cryptic. In fact, some of the cycle’s most intricate details and deep symbolism are still controversial, as scholars still try to uncover the many layers of covert references one might “read” in them.



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On the many unsolved mysteries one finds in these Tapestries are the “AE” ciphers one finds in every hanging. Some have said these letters mean “Adam and Eve,” giving “The Hunt of the Unicorn” a mystical meaning, following certain legends commonly associated to these mythical beasts. Some others claim these letters identify Anne of Britain, who was a major patron for the arts. Most recent theories, explained by Tiffany Jow in her article published in Artsy, claim “the letters represent Antoinette of Ambroise, the wife of François de La Rochefoucauld’s second son, Antoine, who was born around 1475.”

Unicorns, difficult as it is to believe, are mentioned in the Bible — not one, not two, but nine times in total. Most biblical scholars point out that this is a mistranslation of the Hebrew word re’em, which means “ox” or “buffalo.” Some other point out that this re’em instead refers to a rhinoceros, as the beast is described in the bible as an incredibly strong animal. Interestingly, there are one-horned rhinos, which would make the presence of the unicorn-re’em beast in the biblical text something a little more consistent.



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Translation aside, the fact is that the unicorn, as a mythical figure, found a place of its own in Christian iconography, to the point of becoming a Christological symbol. Strange as it may seem, the unicorn is considered to be an image of Christ in medieval iconography, and the whole series of tapestries might be just a “meditation” on this Christological motif. But why is this beast associated with Christ at all?

A medieval legend based on the Physiologus (a text of the 2nd century, written by an anonymous Alexandrian author) describes the unicorn as an animal impossible to capture by anyone but a virgin. Attracted by the purity of an immaculate maiden, the unicorn would sleep in her lap. In fact, one of the tapestries in cyvle is called “The Mystic Capture of the Unicorn.” Only while the unicorn was asleep in the lap of the virgin could the hunters catch him.

This legend was understood and read by Christian exegetes as an allegory of the Incarnation of Christ: the Creator of the Universe, impossible to contain, makes himself human and vulnerable in the womb of Mary Immaculate.

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The Unicorn Tapestries

The Unicorn Tapestries are among the most significant medieval tapestries ever created.

The Hunt of the Unicorn Tapestries, as they are sometimes called, are a truly awe-inspiring series of medieval tapestry art. It has been long speculated as to why this set of seven Flemish wall tapestries was produced and what are its true meanings. Historical records suggest Anne of Brittany originally commissioned them in celebration of her betrothal to the French king, Charles VIII, with the weaving taking ten years, completed around 1505. Art historians from the Metropolitan Museum of Art in New York feel sure they would have been displayed together in their illustration of the complete story, the hunt of a somewhat elusive unicorn.

The Hunt Of the Unicorn tapestries are often referred to as simply The Unicorn Tapestries. This set should not be confused with a similar collection of tapestries known as The Lady and The Unicorn. La Dame à la Licorne, as they were originally known, is a set of six tapestries commissioned by Jean Le Viste, also toward the end of the fifteenth century, now displayed in Paris at the Musée de Cluny. Both series are heralded as medieval masterpieces.

The Unicorn Tapestries are owned by the Metropolitan Museum of Art and displayed at ‘The Metropolitan Cloisters’ gallery, a medieval style building overlooking the Hudson River. Germain Bazin, the former director of the Louvre Museum in Paris, once described this remarkable building as “the crowning achievement of American Museology”. The Metropolitan Museum originally acquired the building with funds donated by John D Rockefeller who also donated the tapestries to the museum in 1937. He had purchased the collection in 1922 from the La Rochefoucauld family of France, who previously owned them for hundreds of years, paying a million dollars for the collection.

The Unicorn Tapestries portray each stage of the hunt for the unicorn from the start of the hunt for this elusive creature, its pursuit and capture, its death and ultimately the resurrection of the Unicorn. The first of these tapestries, The Hunters enter the Woods (left) shows the beginning of the hunt with the seigneur and two noblemen placed to his left. Although the scene is portraying a certain similarity to any stag hunt of the day the men are not dressed for hunting nor riding. Instead they are attired in rich clothing and on foot. Only three keepers and four hounds are included. The first of the unicorn tapestries named ‘The Start of the Hunt’ is just over twelve feet long and fourteen feet high. Produced in the Southern Netherlands, all the tapestries have a woollen warp and were created using wool, silk, metallic and silver threads.

Both the first and last tapestries in the set are completely covered in a complex and accurate selection of flora. This greatly reflected the ‘Mille Fleurs’ tapestries which were very popular during the time. It was highly symbolic and depicted myths and legends with great detailing. The penultimate of the series depicts the unicorn being slain and its corpse transported on horseback to the lord and lady of the castle: ‘The Unicorn is Killed and Brought to the Castle’. During these times, it was believed that those who possessed the magic horn of the unicorn would be purified. In the final piece, The Unicorn in Captivity, the unicorn is resurrected, and despite being trapped by a fence and in chains, seems content in his ‘garden of paradise’. Pomegranate juice and seeds, resembling wounds, are symbolic of immortality and of Christ the captured unicorn thus representing Christ resurrected. However, they could also be a reference to fertility and an abundance of children.

Today, several reproductions have been produced from the Metropolitan Cloisters tapestry gallery by French and Belgian tapestry weavers: The Hunters enter the Woods, The Unicorn is Found, and The Unicorn in Captivity.


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